Отправлено: 05.09.10 14:53. Заголовок: Знаменитые люди ушедших столетий... -2

Во все времена были люди которыми восхищались, любили, а может быть и ненавидели, но тем не менее они оставили свой след в истории... Люди, о которых мы помним спустя века... и будут помнить после нас...

 Отправлено: 02.10.10 13:24. Заголовок: ИСТОРИИ ЛЮБВИ В ИСТО..

ИСТОРИИ ЛЮБВИ В ИСТОРИИ.
АЛЕКСАНДР ГРИБОЕДОВ И НИНА ЧАВЧАВАДЗЕ.


И.Н.Крамской. Портрет Александра Сергеевича Грибоедова. 1875.

Рассуждения о женщинах

До:

«Чему от них можно научиться? – говаривал он. – Они не могут быть ни просвещенны без педантизма, ни чувствительны без жеманства. Рассудительность их сходит в недостойную расчетливость и самая чистота нравов в нетерпимость и ханжество. Они чувствуют живо, но не глубоко. Судят остроумно, только без основания, и, быстро схватывая подробности, едва ли могут постичь, обнять целое. Есть исключения, зато они редки; и какой дорогою ценой, какой потерею времени должно покупать приближение к этим феноменам». Слова Байрона “дайте им пряник да зеркало, и они будут совершенно довольны” ему казались весьма справедливыми.

После:

“Кто никогда не любил и не подчинялся влиянию женщин, тот никогда не производил и не произведет ничего великого, потому что сам мал душою… У женщин есть особое чувство, которое французы называют tact, этого слова нельзя перевести даже перифразой ни на один язык. Немцы перевели его как “разум чувствований”, это мне, кажется, довольно близко к подлиннику. Такт есть то же, что гений или дух Сократа: внутренний оракул. Следуя внушению этого оракула, женщина редко ошибается. Но оракул этот действует только в сердце, которое любит “.

А что было между «до» и «после»? Очень просто. ЧЕЛОВЕК ВЛЮБИЛСЯ.

Эти слова принадлежат выдающемуся человеку, писателю, поэту, драматургу, ученому, пианисту, композитору, дипломату, юристу, послу (список можно было бы еще продолжать) Александру Сергеевичу Грибоедову. Говорят, что человек жил только тогда, когда знал, что такое любовь. Грибоедов ЖИЛ.. Трогательна история его любви.

Что мы знаем о Грибоедове?

Да, не многое. Часто употребляют расхожую фразу «Горе от ума» (правда, редко кто может назвать автора одноименного произведения, а ведь именно это был Грибоедов). Комедия, как назвал ее он сам, далеко не похожа на забавные, смешные приключения героев. Актуально сейчас как нельзя больше. Тоже светское общество, те же тусовки, безумное желание получше устроиться в этой жизни за счет выгодных браков, и, как всегда, один чудак, возможно, даже очень умный, который выбивается из всего этого гламура. Угораздило же его влюбиться в одну из светских львиц. Что из этого вышло – стоит почитать. Более, чем поучительно. Известно, что с ее созданием связан некий вещий сон. В этом сне поэт увидел своего близкого друга, который спросил, написал ли он для него что-нибудь? Поскольку Грибоедов ответил, что вообще уже давно отклонился от всяких писаний, друг покачал головой: «Дайте мне обещание, что напишите». – «Что же вам угодно?» – «Сами знаете». – «Когда же должно быть готово?» – «Через год непременно». – «Обязываюсь», – ответил Грибоедов. В марта 1823 года, находясь в отпуске в тульском имении своего друга, Грибоедов действительно завершил комедию. «Горе от ума» произвело фурор в Петербурге того времени. Ее переписывали от руки. Военные и штатские писари зарабатывали немалые деньги, копируя списки комедии.
(Издание было запрещено цензурой. Естественно, так обычно бывает со всеми Великими), читали в салонах, а Пушкин, услышав, сказал: «Да, крылатые фразы в истории тебе обеспечены». И оказался прав. Ну, хотя бы:

Ба! Знакомые все лица! (Фамусов)

Счастливые часов не наблюдают; (Софья)

Чуть свет – уж на ногах! И я у ваших ног. (Чацкий)

Что значит видеть свет! Где лучше? Где нас нет. (Софья –Чацкий)

Когда ж постранствуешь, воротишься домой, и дым Отечества нам сладок и приятен! (Чацкий)

А впрочем, он дойдет до степеней известных, ведь нынче любят бессловесных. (Чацкий)

Читай не так, как пономарь; А с чувством, с толком, с расстановкой. (Фамусов)

Служить бы рад, прислуживаться тошно. (Чацкий)

Как вам доводится Настасья Николавна? Не знаю-с, виноват; мы с нею вместе не служили. (Скалозуб)

Ах! Злые языки страшнее пистолета (Молчалин)

А чем не муж? Ума в нем только мало; Но чтоб иметь детей, кому ума недоставало? (Чацкий)

Чины людьми даются, а люди могут обмануться. (Чацкий)

Герой не моего романа. (Софья)

Когда в делах – я от веселий прячусь, когда дурачиться – дурачусь, а смешивать два эти ремесла есть тьма искусников, я не из их числа. (Чацкий)

Как платья, волосы, так и умы коротки!… (Чацкий)

О! если б кто в людей проник. Что хуже в них? Душа или язык? (Чацкий)

Все же первым отдельным изданием она вышла лишь в немецком переводе в 1831 году в Ревеле. Наконец, в 1833 году Николай I разрешил напечатать комедию в России – «чтобы лишить ее привлекательности запретного плода».

Ну, а тот, кто внимательно слушает лекции по истории дипломатии где-нибудь в КИМО или МГИМО, возможно, знает о достижениях русской дипломатической миссии в Персии, где был заключен очень выгодный для России Туркманчайский договор. Так вот, составил его, подписал и был руководителем этой миссии ни кто иной, как Грибоедов. 14 марта 1828 года, за заключение этого довольно сложного договора, он был награжден орденом Святой Анны 2 – ой степени с алмазными знаками и четырьмя тысячами червонцев. Правда, именно за это и поплатился собственной жизнью. А началось с того, что летом 1818 года, нуждаясь в средствах, Грибоедов определился секретарем Персидской миссии при главнокомандующем Отдельным Кавказским корпусом генерале А.П. Ермолове. По Гюлистанскому трактату, русская миссия имела право требовать у персов возвращения русских солдат – раненых и дезертиров. «Встретясь с двумя или тремя сарбазами (русскими солдатами, поступившими в персидское регулярное войско) на улице, – писал Бегичев, – он (Грибоедов) начал говорить им, что они поступили подло, изменив присяге и отечеству и проч., вероятно, очень убедительно, потому что солдаты были тронуты этим и спросили его: ручается ли он, что они не будут наказаны, если возвратятся в Грузию? Грибоедов ответил, что ручаться за это не может, но постарается об этом; впрочем, если они и потерпят за преступление, то лучше один раз потерпеть, но очистить свою совесть». В результате осенью 1819 года Грибоедов привел в Тифлис целый отряд из семидесяти сарбазов, за что был представлен генералом Ермоловым к награде.

Возможно, музыканты вспомнят «Вальс Грибоедова», который играют и до сих пор. Хотя Грибоедов написал много музыкальных произведений, до нас дошло всего два вальса. Но это ведь тоже не мало, согласитесь.

Бурная молодость

Ну, а о детстве уникального чудо-ребенка даже говорить не приходится. Никому ведь и не под силу представить, что можно в 11 лет поступить в Московский Государственный Университет. Да еще сразу и на три факультета, один из которых (филологический) закончить через два года, стать автором многих научных трудов, владеть французским, немецким, английским, итальянским языками, самостоятельно изучить латинский и греческий, а впоследствии и персидский, арабский, турецкий, не защитить диссертацию только по причине войны с Наполеоном и вторжением его войск в Москву. Побывать в гусарском полку. Жить настоящей гусарской жизнью – кутить, озорничать.

В Брест-Литовске въехать верхом на лошади на второй этаж, на бал, куда его не пригласили; в другой раз забраться в польский костел во время богослужения и играть на органе. Играть так, что все восхитились, но в самый благостный момент внезапно перейти на «Камаринскую». Уличив себя в трусости, выйти на возвышающийся открытый холм, под обстрел вражеских пуль и простоять вот так «мишенью» назначенное самому себе время. Поучаствовать после войны в дуэли (естественно, без женщины не обошлось) и отделаться всего лишь простреленным пальцем. Хотя эта рана сразу зачеркнет его карьеру музыканта и исполнителя, так как мизинец перестанет сгибаться. И именно по этой изуродованной руке опознают его тело среди сотни тел, убитых исламскими фанатиками и сваленных в общую яму в Тегеране. Но об этом после… А сейчас – о любви.

Вот он, Амур…

Именно это чувство стало самым ярким в жизни Грибоедова. Наверное, сам Амур прострелил сердце уже немолодого, но успешного дипломата и известного писателя.

16 июля 1828 года. Тифлис. Дом Прасковьи Николаевны Ахвердовой. Обед. Много гостей. За столом – крестная Прасковьи Николаевны, дочь генерал – майора русской армии, крупнейшего грузинского поэта и литератора, губернатора – наместника Нахичеванской и Эриванской областей Александра Герсевановича Чавчавадзе – Нино. Ей – неполных 16. лет. Напротив – ее учитель музыки, давний друг ее отца, очень умный и образованный человек, знающий более 5 языков, недавно (15 апреля 1828 года) назначенный министром – резидентом и российским послом в Персию – Сандро, а точнее – Александр Сергеевич Грибоедов. Ему – 35.


Ни́на (Ни́но) Алекса́ндровна Чавчава́дзе (груз. ნინო ჭავჭავაძე; 4 ноября 1812 — 28 июня 1857) — грузинская княжна, дочь поэта и общественного деятеля Александра Чавчавадзе, жена русского драматурга и дипломата Александра Грибоедова.

“В тот день, – писал Грибоедов, – я обедал у старинной моей приятельницы Ахвердовой, за столом сидел против Нины Чавчавадзевой… все на нее глядел, задумался, сердце забилось, не знаю, беспокойство ли другого рода, по службе, теперь необыкновенно важной, или что другое придало мне решительность необычайную, выходя из стола, я взял ее за руку и сказал ей по-французски: “Пойдемте со мной, мне нужно что-то сказать вам”. Она меня послушалась, как и всегда, верно, думала, что я усажу ее за фортепиано… мы… взошли в комнату, щеки у меня разгорелись, дыханье занялось, я не помню, что я начал ей бормотать, и все живее и живее, она заплакала, засмеялась, я поцеловал ее, потом к матушке ее, к бабушке, к ее второй матери Прасковье Николаевне Ахвердовой, нас благословили.

Когда позже, Сонечка Орбелиани, давняя подруга, пыталась выведать у нее подробности того вечера, Нино смущенно опускала ресницы, теребила кончик газового шарфа и говорила тихо: “Не знаю, право же, не знаю! Как во сне!” Потом, спохватившись, найдя слова, добавляла: “Как солнечным лучом обожгло!”

22 августа 1828 года. Тифлис. Запись в метрической книге Сионского кафедрального собора: “Полномочный министр в Персии Его Императорского Величества статский советник и Кавалер Александр Сергеевич Грибоедов вступил в законный брак с девицею Ниною, дочерью генерал – майора Александра Герсевановича Чавчавадзе. Накануне у поэта были жестокие приступы малярии. Один из них случился во время самого венчания – выпавшее из дрожавшей руки кольцо всех смутило. Есть легенда, что сразу после свадьбы и нескольких дней торжеств молодые супруги уехали в Цинандали, имение Чавчавадзе в Кахетии.

Конец вместо начала.

После венчания молодые отправились в имение князя Чавчавадзе в Цинандали и счастливо прожили очень короткое время. После отправились в Персию, к месту службы. Передвигались с продолжительными остановками в пути, поэтому дорога отняла много времени. На персидской земле, в Тавризе, выяснилось, что Нина беременна. Учитывая тревожную обстановку в чужой стране, Грибоедов принял решение следовать в Тегеран без жены. Супруги расстались, но почти каждый день Александр пишет любимой письма: «Бесценный друг мой! Грустно без тебя, как нельзя больше… Только теперь я истинно чувствую, что значит любить Прежде расставался со многими, к которым тоже крепко был привязан, но день, два, неделя – и тоска исчезала. Теперь – чем дальше, тем хуже. Скоро и искренне мы с тобой сошлись навек. Целую… всю тебя с головы до ног. Грустно». Тревожные предчувствия продолжали терзать сердце Грибоедова. Въезд в столицу пришелся на воскресенье 5-го дня месяца реджеб, когда солнце стоит в созвездии Скорпиона. В глазах персов это было дурным знамением и сразу вызвало неприязнь населения. Обстановка же и без того была угрожающей. Оберегая интересы России, министр-посланник, однако, настаивал, чтобы не давили на Персию так сильно с уплатой контрибуций. Но в Петербурге были другого мнения и требовали, чтобы Грибоедов держался как можно тверже. Он так и делал, не угождал, не льстил и, что для персов было особенно обидно, не давал и не брал взяток. За это его прозвали “сахтир” – “жестокое сердце”. В январе 1829 года в Тегеране вспыхнул бунт, толпа персов захватила дом русской миссии. Горстка русских сражалась отчаянно, возглавлял этот маленький отряд Грибоедов. Его мужество и хладнокровие позволили русским продержаться некоторое время, но наступающих было слишком много. Русский посол и охранявшие его казаки были жестоко убиты. Бесчинствующая толпа таскала его изуродованный труп по улицам несколько дней, а потом бросила в общую яму, где уже лежали тела его товарищей.

…Страшную весть о гибели мужа тщательно скрывали от Нины. Её удалось перевезти с полдороги в Персию в Тифлис, и уже на родине в случайном разговоре беременная женщина узнала об участи, постигшей её любимого мужа. « Свыше моих сил выразить Вам, что я тогда испытала… Переворот, происшедший в моем существе, был причиной преждевременного разрешения от бремени… Мое бедное дитя прожило только час и уже соединилось со своим несчастным отцом в том мире, где, я надеюсь, найдут место и его добродетели, и все его жестокие страдания». Останки Грибоедова перевозили в русские пределы крайне медленно.
Только 2 мая гроб прибыл в Нахичевань. А 11 июня, неподалеку от крепости Гергеры, произошла знаменательная встреча, описанная Пушкиным: «Я переехал через реку. Два вола, впряженные в арбу, подымались по крутой дороге. Несколько грузин сопровождали арбу. «Откуда вы?» – спросил я. – «Из Тегерана». – «Что вы везете?» – «Грибоеда».
Официальная миссия, возглавляемая внуком персидского шаха Хосров-Мирзой, принесла не только официальные извинения России за смерть ее посланника, но и преподнесла Николаю I один из самых знаменитых драгоценных камней мира – алмаз «Шах». В некотором смысле то была цена крови поэта.

Верная памяти

Нина Чавчавадзе-Грибоедова прожила 49 лет, замуж больше не выходила, хотя многие достойные поклонники добивались её руки. Она знала, что не сможет более испытать ни к одному мужчине чувств, какие испытывала к своему Сандро. Ее сердце откликалось на чужие беды, огромные суммы из личного состояния она тратила на благотворительность. Не чуралась развлечений и балов, с удовольствием посещала музыкальные вечера, сопровождала отца и сестру на приемах, но повсюду появлялась в трауре. Роскошные – выписанные из Парижа – гипюровые, бархатные, шелковые, пахнущие терпкими ароматами – эти вдовьи платья вытеснили из гардероба все светлые. Ее называли “черною розой Тифлиса. На 17-м году жизни надела Нина Грибоедова черное платье и не снимала его 28 лет. В 1857 году в Тифлисе вспыхнула холера. Нина отказалась уехать из города и, ухаживая за своими родственниками, сама заболела и умерла.

…Высоко над Тбилиси, в монастыре св. Давида, что на горе Мтацминда, покоится их прах. Сюда, к увитой плющом нише с двумя могилами, приходит много людей. На одном из надгробий, обхватив распятье, рыдает коленопреклоненная женщина, отлитая из бронзы. Все свое великое и трепетное чувство вложила Нина в слова, горящие на холодном и тяжелом черном камне: “Ум и дела твои бессмертны в памяти русской, но для чего пережила тебя любовь моя!”


Нина Чавчавадзе-Грибоедова в год смерти. 1857.

Там, где вьется Алазань,

Веет нега и прохлада,

Где в садах сбирают дань

Пурпурного винограда,

Светло светит луч дневной,

Рано ищут, любят друга…

Ты знаком ли с той страной,

Где земля не знает плуга,

Вечно юная блестит

Пышно яркими цветами

И садителя дарит

Золотистыми плодами?..

Странник, знаешь ли любовь,

Не подругу снам покойным,

Страшную под небом знойным?

Как пылает ею кровь?

Ей живут и ею дышат,

Страждут и падут в боях

С ней в душе и на устах.

Так самумы с юга пышат,

Раскаляют степь…

Что судьба, разлука, смерть!..

Литературное наследие Александра Сергеевича Грибоедова, включающее стихотворения, пьесы, путевые записки и другие прозаические отрывки насчитывает более 30 произведений, однако большое число его замыслов осталось нереализованными и, вместе с гибелью его бумаг, утрачено для потомства.
Музыкальное наследие - два вальса. Но какие!!!

 Отправлено: 02.10.10 14:06. Заголовок: ИСТОРИИ ЛЮБВИ В ИСТО..

ИСТОРИИ ЛЮБВИ В ИСТОРИИ.
ПЬЕР АБЕЛЯР И ЭЛОИЗА ФУЛЬБЕР.

Пьер (Пётр) Абеляр или Абелар (фр. Pierre Abailard/Abélard, лат. Petrus Abaelardus; 1079— 21 апреля 1142) — знаменитый схоласт и богослов средневековой Франции, неоднократно осуждавшийся католической церковью за еретические воззрения.

Элоиза Фульбер - знаменитая возлюбленная каноника Собора Парижской Богоматери Абеляра. Ее ученостью восхищалась вся Франция. От Абеляра у нее родился сын Астролябий.

Печальная история любви прославленного французского философа Пьера Абеляра (1079–1142) и юной Элоизы Фульбер (1101–1164) была очень популярна среди сентиментальных европейских дам эпохи Возрождения и новых времён и вдохновила многих поэтов на создание трогательных и полных слёз наивных творений.

События происходили в маленьком, но уже широко известном повсюду Париже. Осиротевшая в раннем детстве Элоиза находилась на попечении дядюшки, который служил каноником собора Парижской Богоматери. Строгий старик Фульбер, согласно принятым в его сословии обычаям, отдал девочку на обучение в монастырь. С первых дней Элоиза удивила монахинь не по годам развитым умом, сообразительностью, способностью к языкам и другим наукам. Вскоре девушка уже свободно читала и беседовала на греческом, латинском и древнееврейском языках, прочитала всех признанных в те времена классических авторов.

Жизнь Пьера Абеляра длилась на рубеже одиннадцатого и двенадцатого веков, этот период можно назвать расцветом средневековья как мирового порядка, период, когда в Европе господствует христианство, но далеко не то чистое и светлое учение, которое в свое время проповедовал Христос, а именно христианская церковь, церковь как институт со всеми прилагающимися прелестями по типу инквизиции. Большинство материальных ценностей сосредоточено у феодалов… Не самое приятное время для жизни, и, как не странно, именно в этот момент миру является пример духовной и физической красоты, два человека, имена которых войдут в века благодаря своей силе и неординарности, которая осветила средневековье словно фотовспышка, озарившая целый мир.

Итак, Пьер Абеляр родился в Бретани, на то время считалась местом обитания малообразованного и далеко не изысканного в своих предпочтениях населения, в семье мелкопоместного дворянина. Он рос очень красивым, умным и уверенным в себе молодым человеком. Он очень хотел знаний, поэтому и отправился на учебу в Париж, отказавшись от права своего первородства, чтобы ничто земное не отвлекало.


Учебные заведения того времени строились на базе авторитета преподавателя, который все время устраивал нечто подобное семинарам, на которых вступал в дискуссию с учениками. Так вот, Гийом из Шампо, метр при школе Нотр-Дам, самое авторитетнейшее светило Парижа, очень скоро ощутил на себе силу интеллекта молодого Абеляра, который, будучи достаточно образован (еще в Бретани), постоянно ставил его в неудобное положение, побеждая на диспутах…

На протяжении всей жизни Абеляр будет надоедливым, невыносимым, всегда спорящим, приводя обезоруживающие факты. Он всегда вызывал у окружения два чувства: ненависть и беспредельное уважение. В молодости ему пророчили папское место, но этого не случилось, хотя несколько его учеников достигли этого. Иногда его называют “занозой в культуре XII века”. Его философско-религиозные сочинения дважды осуждались католической церковью как ереси. Он пытался понимать, во что он верит… “Вера, - говорил он, – зиждется непоколебимо только на убеждении, достигнутом путём свободного мышления; а потому вера, приобретённая без содействия умственной силы и принятая без самодеятельной проверки, недостойна свободной личности.”

Абеляр проповедует идею веротерпимости. Каждая религия содержит в себе зерно истины, поэтому христианство не может считать, что оно – единственно истинная религия. Он был очень известен. Его славе Париж обязан развитием левого берега, люди селились поближе к преподавателю. Современники называли Абеляра Сократом Галлии, Платоном Запада и Аристотелем своей эпохи.

Она, Элоиза, осталась круглой сиротой, в довольно раннем возрасте воспитывалась дядей, каноником Фульбером. Слыла, ни много ни мало, самой умной женщиной своего времени, более того, самой красивой девушкой. Она говорила и читала по-латыни, по-гречески и по-древнееврейски. Когда он впервые ее увидел, он сразу же влюбился. Его известность и самоуверенность позволяла ему считать, что он способен получить любую женщину, которую ни пожелает, и Абеляр не ошибался… Познакомившись с дядей Элоизы, он предложил ему арендовать у него комнату, взамен, кроме хорошей платы, предложив обучить юную интеллектуалку нескольким языкам. Ему было 40, ей – 18.

Естественно, на этих занятиях они очень редко предавались науке, гораздо чаще наслаждаясь друг другом. Элоиза занимала абсолютно все мысли Абеляра. Он начал частенько путаться в элементарных понятиях на своих лекциях, все ученики знали о его романе с Элоизой.

Вскоре она забеременела. Абеляр отвез ее в Бретань, где она и родила ему сына, которого назвали Астролябий. Дядя Элоизы был в ярости, требуя от Абеляра, чтобы тот немедленно на ней женился. Но тут восстала сама Элоиза, она выступила против замужества, которое, по ее мнению, могло только испортить их отношения. Но Абеляр женился, единственным условием, поставленным Элоизой, было то, что этот брак должен был быть тайным, чтоб не повредить карьере Абеляра. Конфликты с дядей не прекращались, он вечно укорял Элоизу, что ее используют, скандалы разрослись настолько, что однажды Абеляр забрал Элоизу и спрятал на некоторое время в монастыре.

И тут случилось самое роковое в этой истории. Дядя Элоизы, подумав, что Абеляр хочет упрятать его племянницу в монастырь, наняв нескольких злодеев и подкупив слугу Абеляра, кастрирует его. Абеляр был безвозвратно подавлен. Он уходит в монастырь и приказывает сделать то же своей жене.
Но, как ни странно, любовь разлученных, фактически, навсегда любовников становится только сильнее, о чем свидетельствует непрекращающаяся до конца жизни переписка.

Элоиза писала:

“О, мой любимейший! Кто из царей или философов мог равняться с тобой в славе? Какая королева или владетельная дама не завидовала моим радостям или моему браку? В особенности же, признаюсь тебе, ты обладал двумя качествами, которыми мог увлечь каких угодно женщин, а именно, талантом певца и поэта. Этими качествами другие философы вовсе не обладали!
Даже во время торжественного богослужения, когда молитва должна быть особенно чистою, грешные видения наших наслаждений до такой степени овладевают моей несчастной душой, что я предаюсь им более, чем молитве. И вместо того, чтобы сокрушаться о содеянном, я чаще вздыхаю о не совершившемся”.

или

“Ты мой Бог… ты единственный обладатель как моего тела, так и моей души… если она не с тобой, то ее нет нигде: поистине, без тебя моя душа никак существовать не может”.

И стоит отметить, что это слова даже не простой монахини, а абатиссы, уважаемого всеми человека… По меркам того времени это было немыслимо…

Но риторика Абеляра кардинально изменилась с былых времен, когда он воспевал свою любовь к ней:

“Я… озаботился послать тебе псалтырь. По псалтырю ты, конечно, сможешь непрерывно возносить Господу жертву молений за великие и многие наши прегрешения…”

Абеляр и Элоиза неоднократно выручали друг друга. Она всегда поддерживала его морально, а он, опираясь на свой авторитет, не раз заступался за нее. Жизнь Абеляра закончилась, когда он направлялся в Рим, чтобы лично доказать папе свою правоту и опровергнуть обвинение в ереси. Похоронен был в монастыре Элоизы, по ее же требованию, где она до конца жизни ухаживала за его могилой. Через 22 года каждодневных молитв об упокоении души возлюбленного, будучи в том же возрасте, что и Абеляр, Элоиза умерла. На их общей могиле и по сей день всегда есть свежие цветы.

 Отправлено: 06.10.10 05:07. Заголовок: ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИК..

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА

В Москве, в Музеях Московского Кремля, проходит выставка, посвящённая искусству Рене Лалика.
Выставка, открывшаяся 16 сентября 2010 года, будет продолжаться до 9 января 2011 года.

В 2010 году, объявленном годом России во Франции и Франции в России, в Музеях Московского Кремля проходит выставка, посвященная выдающемуся французскому художнику, блестящему стилисту Рене Лалику (1860-1945), который с утонченным артистизмом воплотил в своих произведениях образ одной из самых романтических эпох в общеевропейской культуре и искусстве — стиль ар нуво. (фр. art nouveau)

Моде́рн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендштиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — нем. Jugendstil, по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Голландии, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

В мировом ювелирном искусстве и художественном стекле ар нуво фактически отождествляется с именем Рене Лалика. Произведения мастера оцениваются как эталонные образцы стиля. Его творчество в подлинном смысле слова — Ренессанс декоративного искусства конца XIX — начала XX века.

В обширной выставочной деятельности Музеев Кремля показ произведений столь знаменитого художника является программным, поскольку одним из важных направлений работы музея стали выставки, знакомящие публику с шедеврами мирового искусства прошлого столетия. В 2007 году в Музеях Кремля с большим успехом был реализован проект «Cartier. Инновации XX века», который увидели более ста пятидесяти тысяч человек. Это свидетельствует о большом профессиональном и зрительском интересе в России к ювелирному искусству того времени в лице самых выдающихся мастеров столетия.

Проект Музеев Московского Кремля, посвященный творчеству Рене Лалика, в России абсолютно уникален. Произведения мастера в российских музейных собраниях единичны. Необходимо отметить, что масштабный тематический показ произведений Рене Лалика в России еще никогда не был осуществлен.

На выставке в Кремле будет представлено порядка двухсот ювелирных, стеклодельных и графических шедевров Рене Лалика, демонстрирующих оригинальные художественные новшества мастера в работе с металлом, эмалями, стеклом, а также в сочетании самых неожиданных и разнообразных материалов, которые благодаря Лалику стали высочайшей классикой стиля. В выставке принимают участие крупнейшие мировые и частные собрания, в которых хранятся произведения Рене Лалика. Это Музей Метрополитен (Нью-Йорк), Музей Калуста Гульбенкяна (Лиссабон), Датский музей искусства и дизайна (Копенгаген), Музей Ламбине (Версаль, Франция), Музей изящных искусств (Квимпер, Франция), Государственный Эрмитаж (Санкт-Петербург), ГАРФ (Москва) и др.

Выставка представит лучшие произведения известного французского художника, созданные в конце XIX — начале XX веков: около 70 ювелирных и 25 стеклянных изделий, а также 40 эскизов. Цель выставки — продемонстрировать оригинальные художественные новшества Лалика, силу его искусства, а также разнообразие и сложность новых технологических процедур, разработанных самим мастером.

Выставку курируют главный хранитель отдела ювелирных изделий XX века в Музеях Московского Кремля Лариса Пешехонова и главный хранитель отдела культурного наследия и бывший директор Парижского музея декоративного искусства Ивонна Брунхаммер. Выставка организуется при содействии компании SVO Art, подготовившей и организовавшей в 2007 году ретроспективу «Лалик. Исключительные драгоценности, 1890—1912» в Люксембургском музее в Париже и Музее Брёана в Берлине. К выставке будет подготовлен роскошно иллюстрированный каталог, который станет первым и единственным изданием на русском языке, посвященным искусству великого французского мастера.

Культурное и общественное значение данного проекта в России очень высоко. Особый смысл и символический характер он приобретает еще и потому, что выставка Лалика в Московском Кремле пройдет под эгидой важной и содержательной идеи 2010 года, знаменующей собой теснейшие исторические связи двух держав — России и Франции.

Выставка, открывшаяся 16 сентября 2010 года, будет продолжаться до 9 января 2011 года.

 Отправлено: 06.10.10 05:15. Заголовок: ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИК..

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА

Биография

ЛАЛИК РЕНЕ (Lalique Rene) (1860–1945), французский дизайнер и предприниматель, представитель модерна, корифей ювелирного искусства и художественного стеклоделия.

Родился в городке Ай (департамент Марна) 6 апреля 1860. В 1876 поступил в ученики к золотых дел мастеру, продолжил образование в Школе декоративных искусств в Париже и мастерских Лондона (1878–1880). Работал по заказам дома Картье, а затем – у П.Дестапа, который передал ему в 1886 руководство своей мастерской. Рекламе его изделий способствовал сенсационный успех на Всемирной выставке 1900, а также тот факт, что в числе главных заказчиц Лалика была знаменитая Сара Бернар.

Создавал гребни, пряжки и различные украшения, используя, помимо традиционных золота, серебра и драгоценных камней, рог, а также полудрагоценные камни, в целом почти вышедшие к тому времени из употребления. Всячески возвышал – на фоне интенсивной механизации ювелирного дела – значение ручного труда и образного начала, противопоставляя последнее чисто количественной роскоши (число каратов в «одном Лалике», как правило, значительно меньше, чем в аналогичного рода стандартных украшениях того времени). Вносил в свои произведения невиданный для этого вида искусств острый драматизм: помимо прихотливо вьющихся женских волос и драпировок, цветов и павлинов излюбленными его мотивами были мерцающие змейки и насекомые. Вводил и мифологические гротески.

С 1909 сосредоточил свои интересы исключительно на художественном стекле, став реформатором и в этой области. Основал стекольную фабрику в Комб-ла-Виль (1910), а в 1918 купил другой, более крупный завод в Винжен-сюр-Модере (Эльзас). Предпочитал (в сравнении со стеклом Э.Галле) гораздо более простые силуэты и поверхности, украшая их, однако, тонким рельефным, деликатно подцвеченным декором. При этом модели отливались или прессовались в формах, что обеспечило массовость продукции (лидировали в ней знаменитые флаконы для духов, но предприятия Лалика выпускали также столовую и декоративную посуду, светильники и люстры, а позднее большие декоративные панно). Явившись одним из стилистических источников ар-деко, его стеклоделие достигло вершин популярности в 1920-е годы, когда панно и другие изделия Лалика стали одним из главных украшений французского отдела Международной выставки декоративного искусства в Париже (1925).

Рене Лалик / Rene Lalique
( 06.04.1860 года [Ай (департамент Марна)]), Франция (France)

Французский дизайнер и предприниматель, представитель модерна, корифей ювелирного искусства и художественного стеклоделия. Родился в городке Ай (департамент Марна) 6 апреля 1860.

Жизнь и стиль Рене Лалика

Он создавал драгоценности для неповторимой Сары Бернар. У него заказывала украшения русская императрица Александра Федоровна. Его произведения пользовались спросом у модных парижанок и жительниц других столиц мира. Рене Жюль Лалик, ювелир и художник по стеклу, по праву считается одним из лидеров стиля ар нуво.

Больше ста лет тому назад, 26 января 1903 года, в Санкт-Петербурге открылась выставка "Современное искусство", инициаторами и организаторами которой стали русские меценаты — князь Сергей Щербатов и Владимир фон Мекк. В экспозиции были работы К. Коровина, А. Бенуа и других членов объединения "Мир искусства". Рене Жюль Лалик был также приглашен в столицу Российской империи и представил несколько десятков ювелирных изделий. Большинство предметов было прод но автором прямо на выставке и, возможно, многие из них и сегодня сохранились в частных собраниях в России.

Имя Р.Ж. Лалика в истории мирового ювелирного искусства стоит в одном ряду с именами таких всемирно прославленных мастеров, как Карл Фаберже, Фредерик Бушерон, Луи-Франсуа Картье, Луис К. Тиффани.

В его ювелирных изделиях из драгоценных и поделочных камней и металлов удивительным образом сочетаются черты уходящего историзма и японского искусства, которым увлекались многие европейские художники конца XIX — начала XX столетия. Мастер смело экспериментировал с полудрагоценными камнями, загадочными сплавами эмалей и металлов. Богатая гамма оттенков янтаря, от белого до густого вишневого и черного, соседствует с матовостью черепахового панциря. Элегантность слоновой кости, кажущаяся простота прозрачного стекла, сияние жемчужного перламутра причудливо сочетаются в изделиях Лалика. Эти материалы увлекали мастера, приглашая к экспериментам, великолепные результаты которых и сегодня вызывают ассоциации с Востоком — Сингапуром, Вест-Индией, Китаем.

Необычные материалы, которые использовал Лалик, создавали поистине безграничные возможности для творческого поиска. Неведомые ранее изысканные оттенки, новый стиль поражали зрителей. В изделиях мастера господствовали текучие плавные линии, позаимствованные как будто у самой природы.

Известно, что в первой половине последнего десятилетия уходящего XIX века художник создавал драгоценности для прославленной актрисы Сары Бернар. По одной из версий, именно она познакомила художника с Калустом Гюльбенкяном, армянином по происхождению, кувейтским магнатом, ставшим меценатом Р.Ж. Лалика. Коллекция работ ювелира в Музее Калуста Гюльбенкяна в Лиссабоне насчитывает сегодня около 150 предметов и является одной из самых крупных в мире.

В упомянутом собрании находится украшение для корсажа "Женщина-стрекоза", отличающееся ярким колористическим решением. Подобно тончайшему кружеву, рисунок изделия соткан из эмалей, бриллиантов и полудрагоценных камней, оправленных в тонкий контур из золота. Изображение стрекозы было одним из любимых мотивов Лалика, наряду с экзотическими и сказочными птицами и насекомыми.

В галерее "Мунстон" хранится более сдержанная по цветовым сочетаниям, выдержанная в холодных зеленых тонах брошь "Стрекоза". В изысканном изделии Р.Ж. Лалик вновь создает образ прекрасной женщины-стрекозы. Ее торс словно вырастает из длинной вертикали хвоста, который ассоциируется с облегающими женскими туалетами эпохи модерна. Украшение выполнено из золота, эмали, хризопраза и бриллиантов.

Начиная с 1896 года, мастер на своих изделиях гравировал автограф: "Lalique". Изделия, созданные по его проектам, приобретают не только частные лица, крупные коллекционеры, но и музеи разных стран мира, достоянием которых они остаются и сегодня. В 1902 году агенты петербургского Училища технического рисования барона Л.К. Штиглица приобрели у Лалика 5 работ за 4500 франков. В собственности училища произведения французского мастера находились на протяжении двадцати одного года. А в 1923 году эти вещи перешли в собрание Государственного Эрмитажа.

Среди экспонатов крупнейшего российского музея — знаменитая подвеска 1900–1901 годов "Клубок змей" из золота и выемчатой опаловой эмали. Надо отметить, что к игре опаловых оттенков Р.Ж. Лалик испытывал особое пристрастие на протяжении всей жизни. В прославленной эрмитажной коллекции находится стопа желтого стекла в серебряной оправе, чеканенной листьями и цветами чертополоха — повторение стопы из Лиссабонского музея.

В 1956 году в собрание Эрмитажа поступила хранившаяся до войны в Александровском дворце Царского Села камышовая трость с серебряным набалдашником, украшенная золотой фигуркой изящной девушки-стрекозы, вероятно, принадлежавшая до революции кому-то из членов царской семьи. По имеющимся данным, трость также была выполнена французским ювелиром.

В 1904 году Р.Ж. Лалик увлекся художественным стеклом. Он делал вазы, завораживающие одновременно волшебством древнейшего в мире рукотворного материала и богатством его трактовок. То прозрачные, то матовые, вазы от Лалика отличаются тонкостью рисунка и изысканной пластикой форм. Иногда они удивляют возникающим словно из глубин хрупкого материала высоким рельефом. Многие произведения Лалика завораживают необыкновенной красотой опалового стекла, которое он использовал в своих изделиях. Этот период стал переломным для творческой манеры мастера. Из его мастерской теперь выходили стеклянные броши и подвески самых неожиданных форм — круглые, квадратные, вытянутые или напоминающие падающую каплю воды, декорированную изображением рыбки. Р.Ж. Лалик начал использовать стеклянные вставки и при изготовлении большинства своих ювелирных произведений.

В коллекции Государственного Эрмитажа в Петербурге есть брошь, созданная в 1903–1905-х годах, со вставкой голубого стекла, под которое подложена фольга, усиливающая игру света и тени. Простая металлическая оправа делает ее образцом недорогого украшения того времени.

В 1905 году художник, заключив контракт с известной французской фирмой "Коти", начал разрабатывать дизайн парфюмерных флаконов. С 1918 года он работал только со стеклом. Поздний период творчества позволяет отнести Рене Лалика к числу крупнейших дизайнеров стекла первой половины ХХ столетия. Его изделиям из стекла, как и ювелирным украшениям, суждено было оказать существенное влияние на формирование и дальнейшее развитие декоративно-прикладного искусства нового XX века.

Прижизненная слава Р.Ж. Лалика была велика. В 1900 году на Всемирной выставке в Париже ему присудили Гран-при и наградили орденом Почетного Легиона. Работы парижского ювелира входили в экспозиции многих стран Европы. На Всемирной выставке 1926 года у него уже был собственный павильон.

Фирма Lalique продолжила существовать и после смерти великого мастера, который скончался 5 мая 1945 года в Париже на восемьдесят шестом году своей долгой и яркой жизни. И сегодня модницы всего мира высоко ценят неподражаемые ювелирные украшения, таинственно-элегантные флаконы для духов, фантастические вазы и даже…. незабываемые ароматы духов.

 Отправлено: 06.10.10 05:47. Заголовок: ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИК..

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА

 Отправлено: 06.10.10 06:29. Заголовок: http://www.youtube.c..

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА



Рене Лалик (начало документального фильма).
Он создавал драгоценности для неповторимой Сары Бернар. Его произведения пользовались спросом у модных парижанок и жительниц других столиц мира. Рене Жюль Лалик, ювелир и художник по стеклу, по праву считается одним из лидеров стиля ар нуво. Необычные материалы, которые использовал Лалик, создавали безграничные возможности для творческого поиска. Неведомые ранее изысканные оттенки, новый стиль поражали зрителей. В изделиях мастера господствовали текучие плавные линии, позаимствованные как будто у самой природы.

 Отправлено: 06.10.10 06:32. Заголовок: ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИК..

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА



Рене Лалик (продолжение документального фильма).
С каким словом ассоциируются произведения Рене Лалика? В документальном фильме «Лалик властелин стекла» звучат разные ответы: свет, утонченность, опаловый отлив, красивые тела, женственность, легкость, элегантность, нежность, чувственность, простота, нега, творчество, арабеска, мифы, феерия «Духовность», - подводит итог Николь Марич-Авиланд, внучка творца, в документальном фильме «Лалик властелин стекла». «Все, к чему он прикасался, становилось другим, непохожим на земное».

 Отправлено: 06.10.10 07:03. Заголовок: ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИК..

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА

 Отправлено: 06.10.10 08:13. Заголовок: ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИК..

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА

 Отправлено: 06.10.10 08:15. Заголовок: Огромная благодарнос..

Огромная благодарность mari-lance за интересную и полезную информацию.

 Отправлено: 06.10.10 08:39. Заголовок: Искра пишет: Огромн..

Искра пишет:

цитата:

Огромная благодарность mari-lance за интересную и полезную информацию.

Всегда пожалуйста, Искра ! Рада, что понравилось и пригодилось !

 Отправлено: 06.10.10 09:46. Заголовок: ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИН..

ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИНДРАНАТ ТАГОР

Рабиндрана́т Таго́р (бенг. রবীন্দ্রনাথ ঠাকুর, Робиндронатх Тхакур, англ. Rabindranath Tagore; 7 мая 1861 — 7 августа 1941) — индийский писатель, поэт, композитор, художник, общественный деятель. Писал на бенгальском языке. Лауреат Нобелевской премии по литературе (1913). Автор гимнов Индии и Бангладеш.

Родился в Калькутте 6 мая 1861 в известной и состоятельной семье брахмана, где был четырнадцатым ребенком. Его отец часто совершал паломничества по святым местам Индии. Мать умерла, когда сыну было 14 лет. В детстве вел замкнутый образ жизни, много читал, с восьми лет писал стихи. Сначала получил домашнее образование, затем учился в частных школах, в том числе в Восточной семинарии Калькутты, педагогическом училище и Бенгальской академии, где изучал бенгальскую историю и культуру. Во время путешествия с отцом по северу Индии в 1873 сильнейшее впечатление на него произвели красота этого края, богатство многовекового культурного наследия индийского народа.

С 1875 начал печататься – писал на бенгальском языке. В 1878 была опубликована эпическая поэма Тагора История поэта – его первое крупное произведение.

В 1878–1880 жил в Англии, изучал право в Университетском колледже Лондона, занимался музыкой и литературой. Так и не получив диплом, возвратился в Калькутту. Здесь пробует себя в музыке – в музыкальной драме Гений Вальмики (1881) индийские национальные мелодии сочетаются с ирландскими народными напевами.

В 1883 женится на Мриналини Деви, впоследствии у них родились два сына и три дочери.

Выходят поэтические сборники Тагора Вечерние песни (1882), Утренние песни (1883), Картины и песни (1884), Диезы и бемоли (1886), драма Возмездие природы (1884). Ранние произведения пронизаны пантеистическими мотивами и жизнеутверждающими настроениями. В исторических романах Берег Бибхи (1883) и Раджа-мудрец (1885) осуждается тирания. В 1884–1911 секретарь религиозно-реформаторского общества Брахмо Самадж, выступавшего против кастовых пережитков и жертвоприношений.

С 1891 Тагор – управляющий родовым поместьем отца в Шилайдехо в Восточной Бенгалии. Он ближе знакомится с образом жизни простого народа, чьи представители все чаще становятся героями его произведений. К этому времени относятся лучшие рассказы Тагора и поэтические циклы. В сборниках 1893–1900 Маноши (1890), Золотая ладья (1894), Сбор урожая (1896), Крупинки (1899) воспеваются сельские пейзажи и народные обычаи. Образ Золотой ладьи – символа человеческой жизни в потоке времени – встречается и в последующих произведениях Тагора. Приподнятый романтический стиль ранних сочинений постепенно меняется на более спокойный. На фоне картин колониальной жизни появляется образ борца с несправедливостью – Свет и тени (1894).

Пишет цикл философских драм, открывающихся пьесой Раджа и рани (1889). Редактирует литературно-общественный журнал Шадхода, где печаталось большинство его произведений. Эволюция идейно-эстетических воззрений приводит Тагора к гуманистической концепции «джибандебота» – «божества жизни», восходящей к Упанишадам и идеалам средневековых поэтов-вишнуитов.

В 1901 переехал в семейное поместье Шантинекитон под Калькуттой, где вместе с пятью учителями открыл школу. Для этого его жене пришлось продать часть украшений, а ему самому – авторское право на издание своих произведений. Сочетает преподавание с занятиями литературой. Пишет не только стихи – сборник Мгновения (1900), но и романы Песчинка (1902), Крушение (1905), повесть Разрушенное гнездо (1903), книги по истории Индии, учебники и статьи по вопросам педагогики. В его произведениях звучит тема борьбы с тиранией, он разбирает конфликты между феодальной семейной моралью и демократическими тенденциями.

В начале 1900-х в связи со смертью близких – жены, дочери, сына, отца – им были написаны пронизанные скорбью поэтические сборники Память (1902), Дитя (1903), Паром (1906).

После раздела Бенгалии в 1905 в стране начинается подъем национально-освободительного движения. Тагор становится одним из его лидеров, издает общественно-политический журнал «Бхандар», пишет патриотические песни. Когда движение выходит за рамки ненасильственных действий, обращается к просветительской деятельности. Этот период отражен в романе Гора (1907–1910) – в нем Тагор призывает к единству всех индийцев независимо от религиозной и кастовой принадлежности. В драме Возмездие (1909) предвосхищает движение несотрудничества с колониальными властями. Сатирическая пьеса Крепость консерватизма (1911) бичует конформизм общества, пропитанного застывшими индуистскими традициями.

Провожая на учебу старшего сына в сельскохозяйственный колледж Иллинойского университета США, Тагор останавливался в Лондоне, где показал свои стихи в собственном переводе с бенгали на английский живописцу и литератору Уильяму Ротенстайну, с которым познакомился годом раньше в Индии. В 1912 при содействии Ротенстайна в Индийском обществе (India Society) вышел сборник Жертвенные песни (Гитанджали) с предисловием Йитса, а в 1913 – сборник новелл на английском Страждущие камни. Так творчество Тагора стало известно в Англии и США. В 1912–1913 посетил Великобританию и США, выступал с лекциями по индийской философии и культуре.

В 1913 ему – писателю, «сближающему мир Востока и Запада», – была присуждена Нобелевская премия за «глубоко прочувствованные, оригинальные и прекрасные стихи, в которых с исключительным мастерством выразилось его поэтическое мышление». Денежную премию Тагор пожертвовал своей школе Вишва-Бхарати, задуманной им как центр изучения индийской культуры, который стал после Первой мировой войны университетом с бесплатным обучением.

Впечатления от поездки на Запад и события Первой мировой войны отразились в поэтическом цикле Полет журавлей (1914–1916), в котором звучит тревога за судьбы человечества. В романе Дом и мир (1915–1916) показаны расхождения между либеральным крылом руководства народно-освободительного движения и крестьянством, попытки использования движения для разжигания шовинизма и религиозно-общинного фанатизма.

Начиная с 1920-х, в течение следующих 30 лет совершал поездки в Европу, США, Южную Америку, на Ближний Восток. Итоги Первой мировой войны, собственные впечатления от послевоенной Европы отразились в публицистических произведениях. В книге Национализм (переведена на русский в 1922) он предупреждает о милитаристской сущности шовинизма на Западе и Востоке. Полны раздумий над социальными проблемами лирический сборник Восточный напев (1925), аллегорические драмы Освобожденный поток (1922), Красные олеандры (1924).

В 1930 посетил СССР, в Письмах о России (1931) высоко оценивал достижения СССР в области просвещения, политику Советского государства на международной арене.

С конца 1920-х взгляды Тагора становятся более радикальными. Откликаясь на подъем национально-освободительного движения 1929–1934, в романе Четыре части (1934), он поднимает вопрос о правомерности насилия как средства социальной борьбы. Проза этих лет – психологические повести Две сестры (1933), Цветник (1934). В Рассказе мусульманки красной нитью проходит предупреждение об опасности религиозно-общинного фанатизма.

Поэтические сборники Мохуа (1929), Голос леса (1931), Завершение (1932), Снова (1932), Пестрое (1933), Последняя октава (1935) носят созерцательный характер. Тагор – автор многочисленных пьес – Жертвоприношение (1890), Почта (1912) и др., популярных лирических песен на собственные тексты.

В возрасте 68 лет начал заниматься живописью – преимущественно акварелью и рисунком. Выставлялся в Мюнхене, Нью-Йорке, Париже, Москве. Живописные и графические работы Тагора, исполненные в свободной манере, созерцательно-философские по настроению, оказали влияние на развитие индийского искусства 20 в.

Последние поэтические сборники – Листья (1936), У края (1938), Вечерний светильник (1938), Рожденный вновь (1940), Во время болезни (1940), Выздоровление (1941), В день рождения (1941), Последние стихи (1941).

Удостоен почетной степени четырех университетов Индии, являлся почетным доктором Оксфордского университета. В 1915 получил рыцарское звание, однако через четыре года, после расстрела британскими войсками мирной демонстрации в Амритсаре, отказался от него.

Умер в Калькутте 7 августа 1941 после продолжительной болезни.

Его сочинения были известны в России еще до революции. Творчество Тагора представлялось тогда под углом модных символическо-теософских воззрений, отмечалось его жизнелюбие и национальный колорит. После Октябрьской революции интерес к его творчеству не пропал, поскольку тема национально-освободительной борьбы была актуальным направлением советской внешней политики, а борьба с вековыми предрассудками – политики внутренней. В СССР с 1955 по 1981 было издано 3 собрания сочинений Тагора (в 8-ми, 12-ти и 4-х томах)

Творческая и общественная деятельность Тагора дали мощный импульс развитию не только бенгальской, но и индийской культуры в целом. Он обогатил поэзию новыми формами и стихотворными размерами, заложил основы жанра рассказа, социально-психологического романа, политической лирики. Индийцы поют его песни, (их написано около 3 тыс.), даже не зная, кто является их автором. Его стихотворение Душа народа (1911) стало гимном Индии.

Издания: Тагор Р. Собрание сочинений в 4-х тт. М., 1981; Избранные произведения. М., Панорама, 1999.

 Отправлено: 06.10.10 09:51. Заголовок: http://s11.radikal.r..

ТАГОР (Tagore), Рабиндранат
6 мая 1861 г. – 7 августа 1941 г.

Индийский поэт Рабиндранат Тагор родился в Калькутте и был младшим из четырнадцати детей в известной и состоятельной семье. Его отец, Махариши Дебендранат Тагор, был брахманом, часто совершавшим паломничества к святым местам Индии. Его мать, Сарада Деви, умерла, когда Тагору было 14 лет. Лишившись матери, юноша ведет одинокую и замкнутую жизнь. Он начинает писать стихи с восьми лет, учится сначала дома, затем в частных школах, в т. ч. в Восточной семинарии в Калькутте, в педагогическом училище и Бенгальской академии, где изучает бенгальскую историю и культуру. Путешествуя с отцом в 1873 г. по северу Индии, мальчик был потрясен красотой увиденного, богатством многовекового культурного наследия.

В 1878 г. была опубликована эпическая поэма Т. «История поэта» ("Kabikahinе»). В том же году он уезжает в Англию изучать право в Университетском колледже Лондона, однако через год, не получив диплома, возвращается в Индию и некоторое время живет в Калькутте, где по примеру старших братьев начинает писать. В 1883 г. он женится на Мриналини Деви, от брака с которой у него было два сына и три дочери, выпускает свои первые поэтические сборники: «Вечерние песни» ("Sandhya Sangeet", 1882) и «Утренние песни» ("Prabhat Sangeet", 1883), которые положили начало его поэтической карьере.

В 1890 г. по просьбе отца Т. становится управляющим родового поместья в Шелайдехо в Восточной Бенгалии, где живет в особняке и в доме на воде на реке Падма. Сельские пейзажи и обычаи – главная тема стихов Т. 1893...1900 гг., среди которых следует выделить сборники «Золотая ладья» ("Sonar Tari", 1894) и «Мгновение» ("Khanika, 1900). «Это был самый продуктивный этап моей литературной деятельности», – писал впоследствии об этом времени сам поэт. Образ «золотой ладьи», метафоры человеческой жизни в потоке времени, встречается и в последующих произведениях Т. В «Мгновении» романтически приподнятый стиль ранних стихотворений уступает место более разговорному, что вызвало недовольство многих индийских критиков того времени, которых покоробил самобытный поэтический голос Т.

В 1901 г. Т. переехал в Шантиникетан, семейное поместье под Калькуттой, где вместе с еще пятью учителями открыл школу, ради чего жена Т. продала большую часть драгоценностей, а сам поэт – авторское право на издание своих сочинений. В это время Т. совмещает преподавание с литературным трудом, пишет не только стихи, но и романы, рассказы, книги по истории Индии, учебники и статьи по вопросам педагогики.
После смерти жены в 1902 г. Т. публикует сборник лирических стихов «Память» ("Sharan"), пронизанных щемящим чувством утраты. В 1903 г. от туберкулеза умирает одна из дочерей, а в 1907 г. от холеры – младший сын поэта.

В 1912 г. старший сын отправляется учиться в США в сельскохозяйственный колледж Иллинойского университета, и Т., который едет вместе с ним, делает остановку в Лондоне, где показывает свои стихи в собственном переводе на английский язык Уильяму Ротенстайну, английскому живописцу и литератору, с которым познакомился годом раньше в Индии. В том же, 1912 г. при содействии Ротенстайна в «Индийском обществе» ("India Society") выходят «Жертвенные песни» ("Gitanjali"), с предисловием Уильяма Батлера Йитса, после чего Т. становится известен в Англии и США. Эзра Паунд, в то время неофициальный секретарь Йитса, хвалил стихи Т. за «высшую мудрость, напоминание обо всем том, что в хаосе западной жизни... в столпотворении городов, в трескотне коммерческой литературы, в водовороте рекламы вылетает из головы». Однако многие поклонники Т. неправильно представляли себе не только его поэзию, но и самого поэта, которого они воспринимали как мистический голос народа всей Индии, тогда как он писал на бенгали, языке, который понимала лишь часть населения страны.

Т. получил Нобелевскую премию по литературе в 1913 г. «за глубоко прочувствованные, оригинальные и прекрасные стихи, в которых с исключительным мастерством выразилось его поэтическое мышление, ставшее, по его собственным словам, частью литературы Запада». В своей речи представитель Шведской академии Харальд Йерне отметил, что «наибольшее впечатление на членов Нобелевского комитета произвели "Жертвенные песни"». Йерне также упомянул английские переводы других, как поэтических, так и прозаических, произведений Т., которые в большинстве своем были опубликованы в 1913 г. Заметив, что стихи Т. «наполнены общечеловеческим смыслом», Йерне назвал поэта «фигурой, сближающей мир Востока и Запада».

Т., находившийся в то время в США, на торжественной церемонии не присутствовал, но прислал телеграмму, в которой выражалась признательность «за широту взглядов, делающих далекое – близким, а чужое – родным». В отсутствие лауреата награда была вручена английскому послу в Швеции. Денежную премию Т. пожертвовал своей школе, Визва-Бхарати, ставшей после первой мировой войны университетом с бесплатным обучением.

В 1915 г. Т. получил рыцарское звание, однако через четыре года, после расстрела британскими войсками мирной демонстрации в Амритсаре, от него отказался. В течение последующих тридцати лет поэт совершает поездки в Европу, в США, в Южную Америку и на Ближний Восток. Его картины (Т. начал заниматься живописью в возрасте 68 лет) выставлялись в Мюнхене, Нью-Йорке, Париже, Москве, в других городах мира.

Хотя на Западе Т. больше известен как поэт, он был также автором многочисленных пьес: «Жертвоприношение» ("Visarjan", 1890), герой которой, молодой человек, занят мучительными поисками истины; «Почта» ("Dakghar", 1912) – печальная история подростка; «Красные олеандры» ("Rakta-Karabi", 1925) – драма социального и политического протеста. Многочисленные новеллы Т., в основном из жизни бенгальского крестьянства, впервые появились на английском языке в 1913 г. в сборнике «Страждущие камни и другие рассказы» ("Hungry Stones and Other Stories").

Т. был удостоен почетной степени четырех университетов Индии, был почетным доктором Оксфордского университета. Он умер в Калькутте, в 1941 г., после продолжительной болезни.

По мнению его литературного секретаря Амии Чакраварти, Т. был рад, что его произведения пользовались у простых бенгальцев такой популярностью, что воспринимались как народные. «Люди в далеких индийских деревнях пели его песни (которых поэт написал более 3 тыс.), читали вслух его стихотворения, приводили его изречения, даже не зная, кто их автор, – писал Чакраварти. – Погонщики волов, паромщики, сельскохозяйственные рабочие воспринимали его поэтический дар как часть многовекового культурного достояния».

Хотя Т. до конца 20-х гг. оставался широко известен на Западе, интерес к его творчеству значительно снизился. В своей монографии о Т. Мэри Лейго объясняет это двумя причинами. Во-первых, большая часть английских переводов произведений Т. (кроме, естественно, авторизованных) оказалась не в состоянии передать истинный смысл и красоту его строк. Во-вторых, многие ранние стихи поэта, а также его последние книги никогда не переводились и доступны только бенгальским читателям. С точки зрения индийского исследователя Кришны Крипалани, «главное значение Т. заключается в том импульсе, который он придал развитию индийской культуры и мысли... Он дал своему народу веру в его собственный язык, в его культурное и нравственное наследие».

 Отправлено: 06.10.10 10:02. Заголовок: ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИН..

ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИНДРАНАТ ТАГОР

* * *

«За что, седина, ты в почете и силе?» —
Завистливо черные кудри спросили.
«Возьмите все это,— вздохнула печально
Она,— но верните мне цвет изначальный».

Перевод А. Ибрагимова

1899

* * *

Керосиновая лампа гордо заявила плошке:
«Называть себя сестрою не позволю мелкой сошке».
Но едва Луна успела в темном небе воцариться,
Низко поклонилась лампа: «Милости прошу, сестрица».

Перевод А. Ибрагимова

1899

* * *

Хвала и хула обратились к поэту:
«Кто друг твой, кто враг твой — скажи по секрету».
«Вы обе — и это совсем не секрет —
Друзья и враги мне»,— ответил поэт.

Перевод А. Ибрагимова

1899

* * *

Томился от жажды осел у пруда.
«Темна,— он кричал, негодуя,— вода!»
Быть может, вода и темна для осла,—
Она для умов просветленных светла.

Перевод А. Ибрагимова

1899

* * *

Верхушка говорила с похвальбою:
«Моя обитель — небо голубое.
А ты, о корень, житель подземелья».
Но корень возмутился: «Пустомеля!
Как ты смешна мне со своею спесью:
Не я ль тебя вздымаю к поднебесью?»

Перевод А. Ибрагимова

1899

<\/u><\/a>

ЖИЗНЬ


В этом солнечном мире я не хочу умирать,
Вечно жить бы хотел в этом цветущем лесу,
Там, где люди уходят, чтобы вернуться опять,
Там, где бьются сердца и цветы собирают росу.
Жизнь идет по земле вереницами дней и ночей,
Сменой встреч и разлук, чередою надежд и утрат,-
Если радость и боль вы услышите в песне моей,
Значит, зори бессмертия сад мой в ночи озарят.
Если песня умрет, то, как все, я по жизни пройду -
Безымянною каплей в потоке великой реки;
Буду, словно цветы, я выращивать песни в саду -
Пусть усталые люди заходят в мои цветники,
Пусть склоняются к ним, пусть срывают цветы на ходу,
Чтобы бросить их прочь, когда в пыль опадут лепестки.

Перевод Н. Воронель.

Рабиндрат Тагор. Лирика.
Москва, "Художественная Литература", 1967.


<\/u><\/a>

КАРМА (*)


Я утром звал слугу и не дозвался.
Взглянул - дверь отперта. Вода не налита.
Бродяга ночевать не возвращался.
Я без него, как на беду, одежды чистой не найду.
Готова ли еда моя, не знаю.
А время шло и шло... Ах так! Ну хорошо.
Пускай придет - я проучу лентяя.
Когда он в середине дня пришел, приветствуя меня,
Сложив почтительно ладони,
Я зло сказал: "Тотчас прочь убирайся с глаз,
Мне лодырей не нужно в доме".
В меня уставя тупо взор, он молча выслушал укор,
Затем, помедливши с ответом,
С трудом слова произнеся, сказал мне: "Девочка моя
Сегодня умерла перед рассветом".
Сказал и поспешил скорей к работе приступить своей.
Вооружившись полотенцем белым,
Он, как всегда до этих пор, прилежно чистил, скреб и тер,
Пока с последним не покончил делом.

(*) Карма - зд. воздаяние.

Перевод В.Тушновой.

Рабиндрат Тагор. Лирика.
Москва, "Художественная Литература", 1967.

 Отправлено: 06.10.10 10:06. Заголовок: ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИН..

ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИНДРАНАТ ТАГОР

* * *

Из тьмы я пришел, где шумят дожди. Ты сейчас одна, взаперти.
Под сводами храма своего путника приюти!
С дальних троп, из лесных глубин принес я тебе жасмин,
Дерзко мечтая: захочешь его в волосы ты вплести?
Медленно побреду назад в сумрак, полный звона цикад,
Ни слова не произнесу, только флейту к губам поднесу,
Песню мою - мой прощальный дар - посылая тебе с пути.

Перевод Ю. Нейман.

Рабиндрат Тагор. Лирика.
Москва, "Художественная Литература", 1967.

НЕВОЗМОЖНОЕ

Одиночество? Что это значит? Проходят года,
Ты в безлюдье идешь, сам не зная, зачем и куда.
Гонит месяц срабон над лесною листвой облака,
Сердце ночи разрезала молния взмахом клинка,
Слышу: плещется Варуни, мчится поток ее в ночь.
Мне душа говорит: невозможное не превозмочь.

Сколько раз непогожею ночью в объятьях моих
Засыпала любимая, слушая ливень и стих.
Лес шумел, растревоженный всхлипом небесной струи,
Тело с духом сливалось, рождались желанья мои,
Драгоценные чувства дала мне дождливая ночь,
Но душа говорит: невозможное не превозмочь.

Ухожу в темноту, по размокшей дороге бредя,
И в крови моей слышится долгая песня дождя.
Сладкий запах жасмина порывистый ветер принес.
Запах дерева малоти, запах девических кос;
В косах милой цветы эти пахли вот так же, точь-в-точь.
Но душа говорит: невозможное не превозмочь.

Погруженный в раздумье, куда-то бреду наугад.
На дороге моей чей-то дом. Вижу: окна горят.
Слышу звуки ситара, мелодию песни простой,
Это песня моя, орошенная теплой слезой,
Это слава моя, это грусть, отошедшая прочь.
Но душа говорит: невозможное не превозмочь.

Перевод А.Ревича.

Рабиндрат Тагор. Лирика.
Москва, "Художественная Литература", 1967.


ТРУБА


Твоя труба лежит в пыли,
И не поднять мне глаз.
Стих ветер, свет погас вдали.
Пришел несчастья час!
Зовет борьба борцов на бой,
Певцам приказывает - пой!
Путь выбирай быстрее свой!
Повсюду ждет судьба.
Валяется в пыли пустой
Бесстрашия труба.

Под вечер шел в молельню я,
Прижав цветы к груди.
Хотел от бури бытия
Надежный кров найти.
От ран на сердце - изнемог.
И думал, что настанет срок,
И смоет грязь с меня поток,
И стану чистым я...
Но поперек моих дорог
Легла труба твоя.

Свет вспыхнул, озарив алтарь,
Алтарь и темноту,
Гирлянду тубероз, как встарь,
Сейчас богам сплету.
Отныне давнюю войну
Окончу, встречу тишину.
Быть может, небу долг верну...
Но вновь зовет (в раба
В минуту превратив одну)
Безмолвная труба.

Волшебным камнем юных лет
Коснись меня скорей!
Пускай, ликуя, льет свой свет
Восторг души моей!
Грудь мрака черного пронзив,
Бросая в небеса призыв,
Бездонный ужас пробудив
В краю, что тьмой одет,
Пусть ратный пропоет мотив
Труба твоих побед!

И знаю, знаю я, что сон
От глаз моих уйдет.
В груди - как в месяце срабон -
Ревут потоки вод.
На зов мой кто-то прибежит,
Заплачет кто-нибудь навзрыд,
Ночное ложе задрожит -
Ужасная судьба!
Сегодня в радости звучит
Великая труба.

Покоя я хотел просить,
Нашел один позор.
Надень, чтоб тело все закрыть,
Доспехи с этих пор.
Пусть новый день грозит бедой,
Останусь я самим собой.
Пусть горя, данного тобой,
Наступит торжество.
И буду я навек с трубой
Бесстрашья твоего!

Перевод А.Ахматовой

Рабиндрат Тагор. Лирика.
Москва, "Художественная Литература", 1967.


* * *


По ночам под звуки флейты бродят звездные стада.
Ты коров своих, незримый, в небесах пасешь всегда.
Светоносные коровы озаряют сад плодовый,
Меж цветами и плодами разбредаясь кто куда.
На рассвете убегают, лишь клубится пыль вдогон.
Ты их музыкой вечерней возвращаешь в свой загон.
Разбрестись я дал желаньям, и мечтам, и упованьям.
О пастух, придет мой вечер - соберешь ли их тогда?

Перевод В.Потаповой

Рабиндрат Тагор. Лирика.
Москва, "Художественная Литература", 1967.


* * *


Что-то от легких касаний, что-то от смутных слов,-
Так возникают напевы - отклик на дальний зов.
Чампак средь чаши весенней,
полаш в пыланье цветенья
Подскажут мне звуки и краски,-
путь вдохновенья таков.
Всплеском мгновенным возникнет что-то,
Виденья в душе - без числа, без счета,
А что-то ушло, отзвенев,- не уловишь напев.
Так сменяет минуту минута - чеканный звон бубенцов.

Перевод М.Петровых

Рабиндрат Тагор. Лирика.
Москва, "Художественная Литература", 1967.

 Отправлено: 06.10.10 10:16. Заголовок: ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИН..

ИНДИЙСКИЙ ПОЭТ РАБИНДРАНАТ ТАГОР

<\/u><\/a>

Помните этот прекрасный фильм из нашего детства ? Очень люблю этот фильм.
Песню «Последняя поэма» из кинофильма «Вам и не снилось» композитор Алексей Рыбников написал на стихи замечательного индийского поэта Рабиндраната Тагора.

Текст песни «Последняя поэма»

Ветер ли старое имя развеял?
Нет мне дороги в мой брошенный край.
Если увидеть пытаешься издали,
Не разглядишь меня, не разглядишь меня...
Друг мой, прощай!

Я уплываю и время несет меня
С края на край,
С берега к берегу, с отмели к отмели...
Друг мой, прощай!

Знаю, когда-нибудь с дальнего берега
Давнего прошлого
Ветер весенний ночной принесет тебе
Вздох от меня.

Ты погляди, ты погляди,
Ты погляди: не осталось ли что-нибудь
После меня?

В полночь забвенья,
На поздней окраине жизни твоей,
Ты погляди без отчаянья,
Ты погляди без отчаянья:
Вспыхнет ли, примет ли облик
Безвестного образа,
Будто случайного?..
Примет ли облик
Безвестного образа
Будто случайного?..

Это не сон,
Это не сон,
Это — вся правда моя,
Это — истина,
Смерть побеждающий вечный закон,
Это — любовь моя,
Это — любовь моя,
Это — любовь моя...

 Отправлено: 06.10.10 10:50. Заголовок: ВИДЬЯПАТИ ТХАКУР (13..

ВИДЬЯПАТИ ТХАКУР (1352-1448)

Видьяпати Тхакур, или, как его чаще называют, просто Видьяпати (1352-1448), – фигура в индийской литературе огромная и во многих отношениях удивительная, выдающийся представитель староиндийской поэзии XIV-XV веков. Он жил в ту эпоху, когда санскритская литература, значительно исчерпав в предшествующие века развития свои возможности, постепенно угасала и уступала свое место национальным литературам на живых народно-разговорных языках. Видьяпати создавал свои произведения на заре становления и развития важнейших новоиндийских литератур Северо-Восточной Индии, таких, как бенгальская, хинди, ассамская, орийская и родная ему майтхильская. И творчество Видьяпати на протяжении нескольких десятилетий как бы повторило в миниатюре этот сложный литературно-исторический процесс: если первые его произведения написаны на санскрите, то песни любви, которые стали вершиной его поэтического мастерства, Видьяпати слагал на майтхили, языке широких народных масс. Видьяпати, прежде всего – крупнейший и талантливейший поэт майтхильской литературы. Своим творчеством он открывает ее историю, содействует ее бурному и длительному развитию.



«Песни любви» воспевают любовные отношения молодой красавицы Радхи и божественного юноши Кришны. Видьяпати с удивительной полнотой передал внутреннее саморазвитие чувства, раскрыл его психологическую сложность и глубину. Высокая поэтичность, тонкое изображение человеческих чувств, красочные картины индийской жизни и природы, подлинная народная мудрость делают стихи Видьяпати одним из шедевров мировой лирической поэзии. Перевод выполнен С. Северцевой. Вступительная стать и примечания выполнены Ю.Цветковым.

***

Прелестная купается…И кто бы
сейчас не увидал ее украдкой,
Так и застынет, поражен мгновенно
стрелой любви, мучительной и сладкой.

О как она стройна и как стыдлива,
с волос вода струится, извиваясь,
Как будто плачет мрак тяжелых прядей,
луны лица прекрасного пугаясь.

Смотри, как шелк намокший повторяет
изгибы тела смугло-золотого, -
Искусен бог любви, таким соблазном
смутил бы и отшельника святого.

Волнуются встревоженные груди –
трепещут, будто две пугливых птицы,
Две диких птицы – красноклювых чаквы,
что через миг готовы в небо взвиться.

И словно в самом деле опасаясь,
что улетят они к родимой стае,
Испуганными, нежными руками
красавица их держит молодая.


***


Она прошла, и понял я:
красивей в мире нет!
Она прошла, - с жадностью
мой взор спешит вослед.

Ведь даже если нищего
наследство скоро ждет,
Быть жадным и завистливым
он не перестает.

Природой дивно созданы
черты ее светлы:
Лицо подобно лотосу,
глаза – как две пчелы.

Как две пчелы на лотосе,
что меду напились
И расправляют крылышки-
вот-вот умчатся ввысь.

Сегодня я красавицу
увидел по пути –
И разум зачарованный
не знаю, чем спасти.

Ее живые прелести
я взглядом пожирал,
На горы златоверхие –
на грудь ее взирал.

А бог любви подсматривал –
за дерзость проучил:
Мой разум одурманенный
под стражу заключил.


***

Лицо у нее прекрасно,
а смех серебрист, певуч,
Как будто нектар душистый
луна струит из-за туч.

Взглянул я – и восхитился
весенней ее красой,
И царственною походкой,
и черной, как ночь, косой.

Сурьмой подведенные веки
изогнуты и чутки,
Как будто уселись пчелы
на нежные лепестки.

А стан, несравненно тонкий,
сломаться вот-вот готов
Под тяжестью спелых грудей –
тугих золотых плодов.


***

Этой ночью в светлом сновиденье
он ко мне явился как живой, -
Тело от желанья содрогнулось,
в сердце вспыхнул трепет огневой.

Над лицом моим лицо склонил он,
с пылкой радостью к устам приник…
Пробудилась я, - и что случилось,
почему исчез он в тот же миг?..

Был мой сон чудесен, но обманчив –
до сих пор обида душу жжет:
Не смогла я счастьем насладиться –
слишком скоро наступил восход.

Как жасмин цветущий, я пылаю,
он шмелем летит на мой призыв,
Но рассвет приносит боль утраты,
нас, влюбленных, снова разлучив.

Ах, недолго я была богатой –
ярких снов исчезло волшебство:
Горе мне, - алмаз бесценный выпал
из подола сари моего!



***


Сначала волосы укрась
и знак на лбу поставь,
А после подведи глаза –
им живости добавь.

Явись к нему, до самых пят
закутанная в ткань,
А чтоб сильней возжаждал он,
чуть-чуть поодаль встань.

Сперва, душа моя, стыдись –
лишь искоса гляди
И вспышками лукавых глаз
в нем пламя пробуди.

Наполовину грудь прикрой,
чтоб часть видна была,
Заботься, чтоб тесней твой стан
одежда облегла.

Нахмурься, - но потом на миг
и радость прояви,
Будь сдержанна, чтоб вновь и вновь
он ждал твоей любви.

Какой еще благой совет
тебе необходим?
Сам бог любви да будет впредь
наставником твоим!


***

О нежная, скрой поскорей лицо,
нельзя, чтоб тебя узнали:
Объявлено было по всей стране,
что с неба луну украли.

Всю ночь сегодня из дома в дом
с обыском ходят стражи,
Увидят, как светит твое лицо,
еще заподозрят в краже.

Послушай, красавица, мой совет:
набрось на лицо покрывало.
Желаю тебе, чтоб даже во сне
сердце тревог не знало.

Улыбку свою серебристую спрячь,
блистающую нектаром:
Торговец богатый заметит ее –
объявит своим товаром.

В устах приоткрытых зубы твои
заманчивей и лукавей,
Чем ряд переливчатых жемчугов
в киноварной оправе.

 Отправлено: 07.10.10 18:26. Заголовок: mari-lance пишет: И..

mari-lance пишет:

цитата:

ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА

Какая красотища! Вот это даааа... Умели же люди такие божественные вещи делать! ...

 Отправлено: 07.10.10 18:34. Заголовок: Багратион Петр Ивано..

Багратион Петр Иванович
(1765 — 12(24).9.1812)
<\/u><\/a>
князь, русский генерал от инфантерии (1809), герой Отечественной войны 1812. Родился в г. Кизляре в семье полковника из старинного грузинского княжеского рода. На военной службе с 1782. Служил на Кавказе, участвовал в русско-турецкой войне 1787—91 и Польской кампании 1793—94. В Итальянском и Швейцарском походах А. В. Суворова 1799 в чине генерал-майора командовал авангардом и отличился во всех крупных сражениях. Во время войны с Францией 1805—07, возглавляя арьергард русской армии, отличился при Шенграбене, Прёйсиш-Эйлау и Фридланде. Участвовал в русско-шведской войне 1808—09, командовал дивизией, занявшей весной 1809 Аландские острова. Вовремя русско-турецкой войны 1806—12 с июля 1809 по март 1810 командовал Молдавской армией. С августа 1811 командующий Подольской армией, а с марта 1812 2-й Западной армией, которую во время Отечественной войны 1812 искусным маневром вывел с боями из-под удара превосходящих сил врага на соединение с 1-й Западной армией под Смоленском. В Бородинском сражении командовал левым крылом русской армии, проявив исключительную стойкость и личную храбрость, был тяжело ранен и скончался в с. Симы Владимирской губернии, где был похоронен. В 1839 его прах перенесён на Бородинское поле.

 Отправлено: 08.10.10 11:32. Заголовок: ГЕНИЙ ИНДИЙСКОЙ МИНИ..

ГЕНИЙ ИНДИЙСКОЙ МИНИАТЮРЫ Б. Г. ШАРМА

Б. Г. Шарма по праву считается наиболее выдающимся в современной Индии мастером миниатюры. Он снискал себе известность благодаря неординарности композиции, дизайна и использования орнамента, повлияв этим и на творчество многих других художников. Он родился 10 августа 1925 года в брахманической семье в священном городе Натхадвара, который находится в Раджастане. Его отец и дед посвятили его в тайны искусства миниатюры.

В детстве Шарма частенько бегал в близлежащий храм четырёхсотлетней давности, это был храм Шринатхаджи, считающийся одним из самых священных храмов в Индии. Там Шарма встречался с Божеством Шринатхаджи, детской формой Господа Кришны. Храмовые флаги виднелись с террасы их дома, что вдохновляло молодого художника на творчество и повлияло на его становление как личности в целом.

Впоследствии он обучался в традиционных школах искусства в Кангре, Кишанагаре и Мугхале, но художественный стиль этих школ не прижился в нём. Скорее, он тяготел к той манере, которую дал ему дед, Шри Лаладхарджи. Дед давал пятилетнему Шарме небольшую дощечку из тикового дерева и показывал, как наносить на неё первый слой грунта.

Индуистское божество Ганеша являлось темой его первых набросков. Одиннадцатилетним юношей Шарма принялся писать портреты паломников и преданных, приходивших, чтобы увидеть Шринатхджи. Так, постепенно, он сделался самым популярным портретистом из всего сообщества художников Натхадвары.

Позже, начав посещать школу искусств «Ти Джей» в Бомбее, он тут же привлёк к себе внимание её директора, так как его манера писать и впрямь отличалась своей необычностью. Он обладал собственным уникальным художественным стилем, который многое привнёс как в традиционную, так и в современную концепцию искусства.

Шарма становился всё более знаменитым, и этот его стиль стал именоваться в Индии как «стиль Б. Г. Шармы».

В 1955 году в Бомбее Шарма занялся изданием репродукций и плакатов с изображением своих картин, которые расходились массовым тиражом по всей Индии. Это, несомненно, был успех.
В 1967 году он покончил с коммерцией и поселился в Удаипуре, но пресса не оставляла его без внимания: о нем писали журналы «India Today» и др. Помимо этого, он давал интервью на радио и телевидении, высказываясь в пользу классического искусства живописи.

Работы Шармы были включены в сборник изобразительного искусства под заголовком «The Cow Book», составитель которого, Марк Галлант, собрал картины с изображением коров художниками более чем из 25 стран, отобрав из индийских работы Шармы.

В 1979 году его картины выставлялись в художественной галерее «Дженагар» в Бомбее и в Рабиндра Бхаване в Дели. В 1980 году прошла выставка в India House в Лондоне, там он дал интервью Би-Би-Си. В 1983 году картины Шармы попали на выставку в Музей Барода. Позднее в том же году, в официальном открытии выставки работ Шармы в Ананда Бхаване в Удаипуре принимал участие Раджив Ганди.

В декабре 1980 индийское правительство сделало заказ на портрет в миниатюре на слоновой кости Её Величества Королевы Елизаветы Второй. Шарма написал портрет и презентовал его Принцу Чарльзу во время визита последнего в Джайпур. Несколькими месяцами позже портрет появился в журнале «Connoisseur», Лондон. Красивую миниатюру на слоновой кости получил также премьер-министр Австралии сэр Малком Фрейзер во время своего визита в Удаипур в 1983году.


Год за годом Шарма получал различные награды: в 1983 г. ему присудили престижную в то время Премию Народного Искусства за Мастерство; в 1984 г. он удостоился чести стать членом союза художников миниатюрной живописи, причём его кандидатура была представлена Министерством Образования и Культуры в Нью-Дели.

Весной 1985 г. индийское правительство отправило Б. Г. Шарму представлять традиционное индийское искусство в Германии. Этот тур включал 18 городов. В том же году он посетил Вашингтон, Колумбия, и презентовал там президенту Рональду Рейгану и его супруге их миниатюрные портреты на слоновой кости. К концу 80-х работы Шармы входили в лучшие коллекции музеев Англии, Германии, Франции, Бельгии, Швейцарии, Италии, Голландии, Японии, Саудовской Аравии и США.

Последние 20 лет своей жизни Б. Г. Шарма посвятил основанию своей художественной галереи в Удаипуре. На сегодняшний день в этой галерее выставлены 150 работ художника, на которые приезжают полюбоваться ценители искусства со всего мира, а также многочисленные туристы.

Невзирая на лавры, Шарма сохраняет простоту, скромность и непритязательность. Он поднимается рано утром, по возможности используя светлые дневные часы для работы. Он носит традиционную одежду, дхоти и курту, придерживается строгой вегетарианской диеты и регулярно посещает храм в родном городе Натхадваре, чтобы получить даршан (аудиенцию) Божества Шринатхджи.

За последние десятилетия Шри Б. Г. Шарма-джи больше, чем кто-либо другой способствовал развитию и выходу в свет классического индийского художественного стиля, а также стиля Натхадвары.

 Отправлено: 25.11.10 20:45. Заголовок: делся тут куда-то Фи..

делся тут куда-то Фил мой ненаглядный...
Филипп IV Красивый...
от себя добавлю, что такая редкая сволочь, как Филипп мало кому нравится... фальшивомонетчик, отлученный от церви за террор по отношению к Римскому Папе, невозмутимый, хитрый, холодный и рассчетливый, готовый на преступления, вечно нуждающийся в деньгах, крупный должник тамплиеров и банкиров, уничтоживший самый могущественный орден... и что в нем такого привлекательного... По мне так все это... помимо этого он и человек, при жизни которого Франция достигла небывалого могущества, освободитель крепостных, верный, мудрый, смелый и сильный человек... короче я его обожаю...
<\/u><\/a>
Скрытый текст

Филипп IV (1268—1314 гг.) — король Франции с 1285 г. Продолжая дело своих предков, особенно деда, короля Людовика IX Святого, но в новых условиях и иными средствами, он стремился укрепить королевскую власть путём ослабления политического могущества крупных феодалов и ликвидации власти Пап над Францией. Этими новыми условиями явились рост городов, усиление третьего сословия, т.е. формально всего непривилегированного населения страны, а фактически — городской верхушки; развитие национального самосознания французов. Новыми же средствами достижения целей централизации монархии Филипп IV сделал подчинённый только ему аппарат управления, из людей незнатных и всем ему обязанных, и юридическое укрепление королевской власти на основе римского права в противовес праву церковному и обычному, которые так или иначе ограничивали всевластие короны библейскими заповедями или традицией. Именно при Филиппе высшие органы власти — Парижский парламент, Верховный суд и Счётная палата (казначейство) — из более или менее регулярных собраний высшей знати постепенно превратились в постоянно действующие учреждения, в которых служили в основном легисты — знатоки римского права, выходцы из среды мелких рыцарей или богатых горожан. Стоя на страже интересов своей страны, король старался расширить её. Так, в 1295—1299 гг. он вёл борьбу с королём Англии Эдуардом I за герцогство Аквитанское (Гийень) на юго-западе Франции, которым английские короли владели как вассалы королей французских. Придравшись к формальным нарушениям неопределённых феодальных прав, Филипп вызвал Эдуарда I в суд, зная, что тот, занятый войной с Шотландией, явиться не сможет, а это считалось серьёзным нарушением законов. Эдуард, опасаясь столкновения с Францией, предложил Филиппу IV герцогство Аквитанское в залог на 40 дней как гарантию явки. Однако, заняв Гийень, Филипп отказался её возвращать. В 1299 г. ему всё же пришлось это сделать, т.к. с севера Франции угрожало графство Фландрия, также подвассальное французской короне, но союзное Англии. Война между Францией и Фландрией началась ещё в 1297 г., когда Филипп разбил графа Фландрского в битве при Фюрне. В 1299 г. французский король занял почти всю Фландрию, опираясь на горожан, недовольных своим графом, а в 1301 г. пленил его самого. Но вскоре фламандцы, разочарованные французским управлением, восстали против Филиппа. 18 мая 1302 г. вошло в историю под названием «Брюггской заутрени» — в этот день произошло восстание жителей города Брюгге, сопровождавшееся истреблением французского гарнизона и находившихся в Брюгге французов. В ответ на это Филипп двинул на Фландрию своё войско. 11 июля 1302 г. в битве при Куртрэ впервые в истории пешее ополчение фламандских городов разбило наголову конное рыцарское войско. Снятые с убитых рыцарей шпоры были свалены на городской площади Куртрэ; это сражение получило название «битва золотых шпор». 18 августа 1304 г. в битве при местечке Мон-ан-Певель французская армия взяла реванш за поражение при Куртрэ. На следующий год фламандцы официально покорились французскому королю. Во время войны с Англией и Фландрией обострился конфликт между Францией и папством. Противоречия между ними обозначились ещё при Людовике Святом, который решительно отвергал любое вмешательство Рима в дела Французского государства и французской церкви. Однако глубокое благочестие Людовика не дало этим противоречиям превратиться в острый конфликт. Отношения между Филиппом и Папой Бонифацием VIII вначале были дружелюбными. Но в 1296 г. Папа издал буллу, категорически запрещавшую духовенству платить налоги светским властям, а тем — требовать таковые без специального разрешения римской курии. Это постановление было только одним из числа подобных, принимавшихся Папами на протяжении XI—XIII вв. и направленных на освобождение церкви из-под государственной власти и придание ей особого наднационального и надгосударствеино-го статуса. Филипп, во-первых, нуждавшийся в деньгах для ведения войны с Англией и Фландрией и, во-вторых, считавший, что все сословия, в том числе духовенство, должны помогать своей стране, запретил в 1297 г. вывоз из страны золота и серебра, чем лишил Папу всех церковных сборов и податей, поступавших из Франции. Бонифаций пошёл на попятный, отменил буллу и даже в знак особого расположения к Франции канонизировал Людовика Святого. Однако мир продлился недолго. Король требовал, чтобы все подданные королевства подлежали единому королевскому суду, Папа же настаивал на особой юрисдикции церкви. Филипп в борьбе с такой могущественной силой, как папство, решил опереться на нацию и созвал в апреле 1302 г. первые во французской истории Генеральные штаты — законосовещательное собрание представителей трёх сословий страны: духовенства, дворянства и третьего сословия. На этом собрании первый в истории Франции канцлер и хранитель печати из мирян Пьер де Флотт огласил составленный в резких тонах ответ Папе. Дворяне и горожане выразили полную поддержку королю. Духовенство вело себя осторожнее: оно лишь направило Бонифацию прошение разрешить французским клирикам не участвовать в Соборе, созванном Папой для осуждения Филиппа. Бонифаций не согласился, но французское духовенство всё же не было представлено на открывшемся осенью 1302 г. Соборе. Там Папа огласил буллу «Единую Святую» (папские буллы именовались по первым словам), в которой объявил, что полное подчинение Папе во всех делах, как духовных, так и светских, является условием спасения души. В 1303 г. Бонифаций VHI отлучил Филиппа от церкви и освободил его подданных от присяги. В ответ король созвал собрание высшего дворянства и духовенства, на котором новый канцлер и хранитель печати французского королевства Гий-ом Ногаре де Сен-Феликс обвинил Бонифация в ереси и всевозможных злодействах. Филипп с согласия указанного собрания направил в Италию небольшой военный отряд во главе с Ногаре и врагом Папы Чьярой Колонна. Папа, узнав об этом, бежал из Рима в г. Аланью (ныне — Ананьи). 7 сентября 1303 г. Ногаре и Колонна вступили в Аланью под французским королевским знаменем и при поддержке жителей города арестовали Папу. Бонифаций проявил немалое мужество, отказываясь отречься от сана, несмотря на все угрозы. Некоторые хронисты утверждали, что Чьяра Колонна ударил Папу по лицу рукой, одетой в железную латную перчатку. Через несколько дней настроение горожан переменилось, они изгнали отряд Ногаре и освободили Папу. Однако Бонифаций от перенесённых потрясении сошёл с ума и умер, по некоторым версиям, от голода, т.к. отказывался принимать пищу, боясь отравления. 10 месяцев спустя умер и его преемник Бенедикт XI. В этой смерти молва обвиняла Филиппа, якобы повелевшего отравить нового Папу. В 1305 г., после нескольких месяцев борьбы, на папский трон был возведён француз Бертран де Го, принявший имя Климента V. Этот Папа был во всём послушен Филиппу. Он полностью оправдал его позицию в конфликте с Бонифацием, снял с короля отлучение, но отказался исполнить требование Филиппа осудить покойного за ересь и противоестественные пороки и посмертно казнить — вырыть труп и сжечь. По требованию Филиппа в 1308 г. Климент V перенёс папский престол из Рима в Авиньон, находившийся тогда на территории, не подвластной французскому королю непосредственно, но бывшей в сфере его влияния. Так началось «Авиньонское пленение Пап» (см.ст. «Папство»), когда римские первосвященники превратились во французских придворных епископов. Власть французской короны над католической церковью стала почти абсолютной, что проявилось, в частности, в судебном процессе над орденом тамплиеров (см.ст. «Рыцарские ордена»). Их обвинили в ереси, противоестественных пороках, стяжательстве и союзе с мусульманами, причём показания добывались с помощью жестоких пыток, а свидетельства, полученные кдним и тем же следователем от разных н не знакомых друг с другом лиц, совпадали иногда дословно. В 1308 г. Филипп снова созвал Генеральные штаты, которые одобрили действия короля против храмовников. По Франции прокатилась волна процессов; Папа Климент V робко пытался протестовать, 1 но в конце концов утвердил все обвинения против тамплиеров, признал законными их казни и в 1311 г. упразднил орден. Расправившись с тамплиерами, Филипп вновь обратил свой взор в сторону Фландрии, где опять активизировались антифранцузские силы. Король решился на новый поход и из-за нехватки средств в третий раз созвал 1 августа 1314 г. Генеральные штаты, на этот раз для одобрения чрезвычайного налога, который дал бы средства для ведения войны с Фландрией. Именно с этого времени Генеральные штаты начинают влиять на финансовые дела стра- ны. Однако поход не состоялся — 20 ноября 1314 г. Филипп умер, скорее всего от инсульта. Но, по- скольку незадолго до короля скончались Папа Кли- мент V и канцлер Ногаре, осудившие тамплиеров на мученическую смерть, молва объяснила смерть Филиппа их проклятием либо отравлением, совершённым тамплиерами, мстившими за своих собратьев. Новое время Это интересно: Афиняне в древности ходили в пурпурных одеждах, носили высокие причёски, скрепляя их золотыми шпильками и увешивая золотыми украшениями. Рабы несли за ними складные стулья, чтобы им не сидеть где попало ... Читать далее → Все заметки "Это интересно" → Случайные страницы: Итальянские городские республики Средневековый купец. Торговые компании средневековой европы спортивный автомобиль Трубадуры, жонглёры и шуты Арабы и арабские завоевания Главная / Средние века / Филипп IV красивый Филипп IV красивый. Часть 5 Короля Филиппа Красивого современники не любили, а насилие над Папой вызвало возмущение во всём христианском мире. Близкие к королю люди боялись холодной, рассудочной жестокости этого необыкновенно красивого и удивительно бесстрастного человека. Крупные феодалы не могли простить королю усиления центральной админист- рации, ограничения их прав, в том числе и права чеканить собственную монету, предпочтения, оказываемого королём безродным чиновникам. Податное сословие возмущалось финансовой политикой короля. В стремлении наполнить казну Филипп продавал и сдавал в аренду различные должности, производил насильственные займы у городов, уменьшал количество золота в монете при сохранении её номинала, что приводило к инфляции и росту дороговизны; а чеканка монеты стала исключительной привилегией государя. На политику короля население отвечало восстаниями. Семейная жизнь Филиппа Красивого была счастливой. В 1284 г. он вступил в брак с Жанной Наваррской (1270—1305), которая принесла мужу в приданое королевство Наварру и графство Шампань. У них было четверо детей: Людовик, король Наваррский (1289—1316), он же Людовик X Сварливый, король Франции с 1314 г.; Филипп, граф Пуатье (1291—1322), он же Филипп V Длинный, король Франции с 1316 г.; Изабелла (1292—1358), выданная в 1308 г. замуж за Эдуарда П (1281— 1327), короля Англии с 1307 г.; Карл, граф де ла Марш (1294—1328), он же Карл IV, король Франции с 1322 г. После смерти Жанны Филипп не вступил в новый брак, несмотря на выгоднейшие предложения. Молва утверждала, что он так любил королеву, что после её смерти вообще не знал женщин. Супружеская жизнь детей Филиппа и Жанны была не столь счастливой. Изабелла, ненавидевшая мужа, уделявшего жене гораздо меньше внимания, нежели своим фаворитам, приняла участие в мятеже, вспыхнувшем в 1327 г. и стоившем Эдуарду II короны и жизни. Незадолго до смерти Филиппа, в 1314 г., разразился скандал, в котором были замешаны жёны его сыновей. Две из них были уличены в супружеской измене, а третья — в пособничестве им. Первые были осуждены на пожизненное заточение, последняя — на покаяние в монастыре. Оглашение приговора принцессам-прелюбодейкам и казнь их любовников были произведены публично. Современники и потомки задавались вопросом: почему король не пытался скрыть по- | ** *** зора своей семьи? Ответа нет и поныне, ибо мысли и чувства Филиппа Красивого, этого предельно замкнутого и всегда невозмутимого человека, не были известны даже ближайшим его соратникам. Возможно, будучи преданным мужем, он ненавидел супружескую неверность; возможно, обладая чрезвычайно развитым чувством монаршьего достоинства, он полагал, что принцессы не имеют права на человеческие слабости; возможно, считая королевскую власть ответственной за незыблемость законности в стране, он неукоснительно требовал соблюдения законов (а прелюбодеяние считалось преступлением в средние века) от всех без исключения, невзирая на положение. Во всяком случае, весьма вероятно, что это событие ускорило кончину Филиппа.

 Отправлено: 03.05.11 22:39. Заголовок: Olesya пишет: mari-..

Olesya пишет:

цитата:

mari-lance пишет:  цитата: ИСКУССТВО РЕНЕ ЛАЛИКА Какая красотища! Вот это даааа... Умели же люди такие божественные вещи делать! ...

полностью согласна, не просто чудесные вещицы, а произведения Искусства , я в восторге

 Отправлено: 30.10.11 12:48. Заголовок: Кристиан Диор

Кристиан Диор

Кристиан Диор
Christian Dior
День рождения: 21.01.1905 года
Место рождения: Гранвилль, Франция
Дата смерти: 24.10.1957 года
Гражданство: Франция

Биография
Уже полвека имя Кристиана Диора является синонимом моды. Диор – это элегантность, женственность и совершенный вкус.

Кристиан Диор, второй ребенок из пятерых детей, родился 21 января 1905 года в Гранвилле, бывшем рыбацком порту на берегу Ла-Манша. Его отец сделал состояние на торговле химическими удобрениями, а мать превращала деньги в удовольствия. Будущий кутюрье уже в юности увлекся рисованием, мечтал стать великим художником, но родители прочили сыну карьеру дипломата.

После настоятельных просьб матери, Кристиан сдался и поступил в Свободную школу политических наук. Однако на этом его политическая деятельность и закончилась. Вместо занятий по международному праву и географии, будущий кутюрье проводил время в музеях, учился музыкальной композиции и живописи.

В итоге Кристиан Диор и его друг Жан Бонжак в 1928 году открыли художественную галерею, где выставлялись работы Дерена, Матисса, Брака, Пикассо. Но счастью не суждено было длиться вечно. В годы экономического кризиса отец Диора, финансировавший галерею, разорился, и предприятие пришлось закрыть.

Перелистывая страницы биографии теперь уже легендарного кутюрье, удивляешься его упорству, оптимизму и умению начинать сначала на пустом месте. После многочисленных неурядиц, только через 7 лет Кристиан Диор возвращается в художественный мир. По совету друзей он готовит рисунки для французских модных журналов и быстро завоевывает известность.

Вскоре будущий кутюрье знакомится с Пиге, у которого Кристиан год работает модельером. Но упрямая судьба вновь отнимает удачу. Диора призывают в армию. И в третий раз будущий мастер начинает с нуля: снова журналы, снова работа модельером... Только в 42 года Диору удается, наконец, показать свое истинное лицо.

Первый показ моделей прошел в особнячке на авеню Монтень на открытии дома моды Dior. Затянутые талии, высоко поднятый пышный бюст, маленькие круглые плечи, юбки до щиколотки, либо прямые, либо довольно широкие - вот основные черты его первой коллекции, которая смело рвет с наследием довоенной высокой моды, развивавшейся в сторону упрощенности и функциональности. Казалось, новый силуэт, названный new look, испугает покупателя, привыкшего за годы Второй мировой к коротким юбкам и квадратным пиджакам, но случилось наоборот. Уставшие от ограничений и нищеты парижанки с восторгом приняли коллекцию.

Но первый успех не был окончательной победой. Неожиданным протестом отозвалась пуританская в те времена Америка. «Как он посмел вернуться к роскоши в стране, парализованной забастовками, где правительства сменяются одно за другим, где не хватает буквально всего?» - привыкшие к независимости от Парижа за годы войны, американские кутюрье реагировали резко. Был создан клуб в защиту коротких юбок. Диора обвиняли в том, что он обезобразил женщин.

В последствии, когда имя Диор стало эталонном элегантности и красоты, мастера все еще продолжали обвинять во всех смертных грехах. Но кутюрье строго придерживался правила: «Лучше пусть тебя склоняют на первой полосе, чем уделяют две строчки похвалы на последней». И этот принцип всегда оказывался верным. Так и в 1947 году газетная шумиха не смогла доказать, что новый силуэт плох, скорее, привлекла внимание к новому слову в мире Высокой моды. «Женщины почувствовали своим верным инстинктом, что я не только хотел их сделать более красивыми, но и более счастливыми», - объяснял позже свой успех Диор. Не удивительно, что в том же 1947 году Диору вручили Оскара Высокой моды.

Этот высокий знак отличия до сих пор присуждается тем, кто внес принципиальные новшества в свою профессию.

С 1947 по 1957 годы, придумывая две разные коллекции в год, Диор продолжал шокировать публику. Названия линий резали слух: «Венчик», «Циклон», «Вертикаль», «Тюльпан». Это были образы, которых публика ждала и опасалась. Перед каждым показом зрители трепетали. Какие изменения они принесут? Каждое платье коллекции имело свое название, сюжет «пьесы» был задан темой коллекции и отражал разнообразие мира, которым так дорожил кутюрье: театр, опера, литература, цветы, музеи, Париж. Иногда темой мог стать его интимный мир: тайны, карты.

Однако желание руководить небольшим Домом моды для элиты противоречило умению Диора вести дела. После недолгих раздумий, уже зарекомендовавший себя кутюрье принимает решение создать отдел мехов и открыть фирму «Духи Диор». «Достаточно открыть флакон, чтобы возникли все мои платья, а каждая женщина, которую я одеваю, оставляла за собой целый шлейф желаний. Духи - необходимое дополнение личности женщины, это завершающий аккорд для платья, это роза, которой Ланкре подписывал свои картины», - объяснял позже свой замысел Диор.

Первым открытием для парижских модниц стал аромат «Мисс Диор», за ними последовали «Диорама» и «Диориссимо». Но и это не удовлетворило модельера. Вскоре кутюрье становится настоящим промышленником. Его предприятия выпускают галстуки, корсеты, перчатки, сумки, драгоценности. В 1953 году у Диора появился обувщик Роже Вивье, уже известный в США. Обувь, необходимый «штрих» для завершения силуэта, доводит изысканный облик «Диор» до совершенства. Таким образом, к середине 50-х Диор возглавляет настоящую империю, ставшую признанным лидером в мире роскоши. «Я всегда рассматривал свое ремесло как борьбу против всего, что может быть средним и деморализующим», - признается в одном из интервью мастер. Наследники кутюрье считают эти слова выражением основной линии поведения Диора.

Одновременно с коммерческим успехом приходит общественное признание. В 1950 году благодарный народ награждает Диора орденом Почетного Легиона. Начинается настоящий парад по королевским домам Европы. Королева Англии приглашает знаменитость представить свою коллекцию в посольстве Франции в Лондоне. Такое же предложение поступает от правителей Греции. Но апофеозом оказывается показ моделей во Дворце Бленхейм перед аристократическими семействами Великобритании во главе с принцессой Маргарет и ее гостями - герцогом и герцогиней Мальборо.

Вдохновение Диора распространяется не только на Высокую моду, он активно работает и для кино. Его дом моделей шьет костюмы для главных героев фильмов «Кровать с колонками» Ролаиа Тюаля, «Любовные письма» Клода Отан-Лара, «Молчание золото» Рене Клера и многих других. В его платьях играли великие актрисы и друзья: Марлен Дитрих, Ава Гарднер и Оливия де Хевиленд. Однако, как признается кутюрье в своих мемуарах, работа в мире синематографа - скорее дань моде, чем страстное желание. По мнению виртуоза исторического костюма, образ на экране недостаточно закончен, структурирован. Несмотря на многочисленные просьбы, Диор зачастую отказывается от сотрудничества с кинокомпаниями под любыми предлогами. Однако работу в фильме Марселя Ашара «Парижский вальс» Диор называет удачной. Картина повествует об эпохе Наполеона III, моду которой мастер очень любил.

Еще одна грань личности Кристиана Диора - педагогический талант. Он с первого взгляда мог оценить работу молодого дизайнера и всеми силами привлекал новичков в свой дом моды. Здесь Пьер Карден кроил женские костюмы своей первой коллекции, учились тайнам профессии Жан Луи Шеррер, Фредерик Касте. Диор не только отыскивал талантов, но и помогал им восходить на Олимп Haute couture, черта отнюдь не свойственная этому миру. Так, Фредерик Касте уже в 24 года имел собственное ателье. Когда в 1955 году в Дом Диора пришел некий Ив Сен-Лоран, Диор быстро увидел даровитость новичка и вскоре назначил его своим преемником. Уже через год после смерти Диора (1957 год), первая коллекция Сен-Лорана «Трапеция» была принята с триумфом.

Незадолго до смерти, озабоченный будущим Высокой Моды, которая казалась Кристиану Диору в первую очередь лабораторией идей, он писал: «Возникновение Высокой Моды можно оправдать двумя причинами. Прежде всего, это - сокровище добросовестных ремесленников. Она опережает свое время, она совершенно новая, именно она будет определять завтра моду Парижа, моду мира. От кутюрье она перейдет в бутики, потом достигнет производителей готовой одежды, а оттуда захватит витрины и улицы. Пресса, радио, кино, телевидение постараются ускорить ее продвижение вперед. Через несколько месяцев великая миграция моды свершится. И тогда каждый в зависимости от своих средств «приспособится» или, если хотите, станет модным». Если другие славные имена Высокой моды синонимы стиля, то Диор — выражение всей магии моды и ее способности к возрождению. Удивительно, но, будучи самым роскошным из всех Домов моды, «Диор» стал популярен у миллионов женщин.

Последователи легендарного кутюрье и сейчас бережно сохраняют традиции мастера, его взгляд на моду, тягу ко всему новому и страсть экспериментировать. После Ив Сен-Лорана дом возглавил Марк Боан, которому удалось прекрасно сочетать свое творчество с верностью духу Кристиана Диора. В 1989 году Бернар Арно, ставший хозяином предприятия, поручил художественное руководство Джанфранко Ферре. Итальянский кутюрье с блеском продолжил дело в духе элегантности и стремления к совершенству.

Умом Диора не понять
Кристиан Диор объяснил миру сущность женщины: ее заветная мечта - стать красивее всех.


Творения современных художников-модельеров все чаще появляются в залах крупнейших музеев мира. Оно и понятно: не все знают Гойю, Энгра или Матисса, а кто такой Кристиан Диор, объяснять не надо. И что империя Диора не исчерпывается лишь им самим созданными платьями, сумочками, украшениями, парфюмерией, но и продолжается Ивом Сен-Лораном, Марком Боаном, Джанфранко Ферре - тоже.

Фирменный стиль Диора "New Look" (новый образ) родился в феврале 1947-го, когда модельер представил Парижу свою первую коллекцию. Это была настоящая революция. Диор сумел взглянуть на одежду глобально, был первым кутюрье, увидевшим в женском платье свойства архитектурного сооружения, пусть недолговечного, но предназначенного для того, чтобы моделировать пропорции женского тела. Следуя этой логике и руководствуясь чувством прекрасного, Диор подчиняет свои модели закону всемирного тяготения и выделяет все красивое - талию, бедра, грудь. И прячет то, что считает некрасивым, - колени, локти. Каждое его платье имело название, каждая коллекция - определенную тему. Имя его силуэту было - соблазн. Кто мог устоять перед ним? Женщины послевоенных лет и не устояли.

В 1931-м Диор, создавший для себя образ некой идеализированной царской России, посетил Советский Союз. Его манил русский авангард, он грезил Родченко и Элем Лисицким. И хотя не нашел того, что искал, воплотил свои мечты в знаменитой весенне-летней коллекции 1955 года - "Князь Игорь", "Душка", "Икра", "Мусоргский", "Стра-винский", "Чайковский". Русские мотивы еще долго всплывали в более позднем его творчестве - возможно, поэтому мастер, уже достигший всемирного признания, хотел снова увидеть Москву. Но этому не суждено было случиться - Диор скончался в 1957-м, нелепо, подавившись рыбьей костью.

В современной Москве, однако, еще живы восторженные поклонницы великого модельера, которые в 1959-м с визгом встречали первое явление Дома Dior нашей стране. Они помнят, как, привезя с собой десяток чемоданов, сто двадцать моделей, пятьсот литров духов и двенадцать манекенщиц, французы устроили умопомрачительную презентацию во дворце "Крылья Сове-тов". В тот день было продано 400 флаконов парфюма, и клиентам "черного рынка" вскоре пришлось выбирать между их неземным ароматом и автомобилем "Москвич"...

Устроители нынешней выставки сотворили чудо - это отметила и директор Пушкинского музея Ирина Антонова. А кому, как не ей, оценить то, как французские дизайнеры во главе с Натали Криньер перекроили пространство Белого зала? Экспозиционная идея строится на игре архитектуры диоровских моделей и классической архитектуры зала. По всему залу установлены фальшколонны, точные копии настоящих. В их вырезанной средней части - стеклянная витрина с вращающимся на манекене платьем. Тут знаменитые наряды известных красавиц - платье из розово-зеленого муслина Грейс Келли, короткое платье из розово-белой органзы Шэрон Стоун, платье-бюстье из шелкового атласа лиловых оттенков, специально созданное для Шарлиз Терон... Всего 110 сногсшибательных нарядов.

"И все же это не ярмарка тщеславия, а своеобразное проявление художественной культуры", - говорит об экспозиции Ирина Антонова. Рядом с платьями комфортно себя чувствуют и живописные полотна. "Портрет Марианны Вальдштейн" Гойи органично соседствует с черным выходным платьем от Диора, яркая, жизнерадостная "Крестьянка в зеленом фартуке" Абрама Архипова - с манто из бежевой замши с вышивкой, цветные ксилографии Утагавы Куниёси - с изысканными нарядами в японском стиле. Живопись и графика "рифмуются" с моделями платьев и по логике жизни самого мастера. Когда-то, задолго до карьеры кутюрье, он пробовал себя в музейном деле: в 25 открыл художественную галерею - выставлял Пикассо, Клее, Джакометти, мало кому известных в то время. Вот такая "загогулина" получилась в очередной его русский приезд.

 Отправлено: 30.10.11 13:17. Заголовок: Коко Шанель http://..

Коко Шанель

Коко Шанель: стиль N 1 двадцатого века

Коко Шанель
Coco Chanel
День рождения: 19.08.1883 года
Место рождения: Сомюр, Франция
Дата смерти: 10.01.1971 года
Место смерти: Париж, Франция
Гражданство: Франция

Оригинальное имя: Габриель Бонер Шанель
Original name: Gabrielle Bonheur Chanel


Коко Шанель: стиль N 1 двадцатого века
Прошедший ХХ век, по общему признанию, резко ускорил все общественные процессы. Среди них - неслыханное досель раскрепощение женщин, вызывающее сегодня неоднозначные оценки. Так же неоднозначно отношение к одному из символов женского освобождения - знаменитой Коко Шанель.


Биография
Она родилась в августе 1883 года, в маленькой горной деревне. Отец официально женился на ее матери только через два года после рождения Габриэль Шанель (так звали будущую знаменитость на самом деле). Когда девочке было пять лет, ее мать умерла, а отец скрылся. Маленькая Габриэль попала в сиротский приют. Десять лет пребывания в приюте воспитали в юной Шанель твердость характера и желание вырваться из бедности и безвестности.

После приюта в городке Мулен она окончила монастырскую школу, где научилась шить. Потом Шанель пыталась стать артисткой, пела в местном кафе 'Ротонда' милую песенку про собачку Коко, затерявшуюся на огромном парижском бульваре Трокадеро. Публика прозвала именем Коко саму певичку.

В ее жизни появились мужчины, один из них открыл для Коко шляпную мастерскую, у Шанель открылся талант к рукоделию, пошла слава... Первая мировая война уничтожила десятки миллионов мужчин, резко изменилось представление о месте женщины в обществе, возникла совершенно новая женская мода, в создании которой Коко Шанель стала главенствующим мастером.

Перед Второй мировой войной уже стареющая знаменитость бросила мир моды, попыталась уйти в частную личную жизнь. Долго жила за границей, а когда в середине 50-х снова открыла в Париже свой Дом моделей, то состоялся триумф ее возвращения в искусство моды. Умерла Коко Шанель в возрасте 87 лет, в январе 1971 года.

Характер
Мужчины сыграли в ее жизни очень большую и важную роль. Еще в Мулене, когда Коко было двадцать лет, ее взял на содержание богач-офицер Этьен Бальсан. Но оставаться просто содержанкой Шанель отнюдь не собиралась. Она заставила Бальсана открыть для нее ту самую шляпную мастерскую, с которой начался ее успех на поприще моды.

Ее первой настоящей любовью стал английский аристократ Артур Кейпел. Мастерица простила ему даже женитьбу на девушке его круга, более того - сшила прекрасное платье его избраннице. Но в декабре 1919 года англичанин погиб в автомобильной катастрофе. Затем судьба сводила Коко Шанель с легендарными и высокопоставленными мужчинами - людьми искусства, членом царской фамилии, русским князем Дмитрием, а также герцогом Вестминстерским... Последний даже предлагал Шанель стать его женой, на что знаменитый модельер ответила: 'Зачем? Герцогинь Вестминстерских много, а Коко Шанель - одна на весь мир'. К тому времени она сама была богата и прославлена.

Ей было уже пятьдесят, когда у нее появился настоящий жених - Шанель была помолвлена со своим сверстником, испанским художником Полем Ирибом. Судьба, однако, не хотела видеть Коко замужем: в 1935 году Поль Ириб упал на теннисном корте и мгновенно умер. Во время оккупации Франции гитлеровцами Коко Шанель завела роман с немецким дипломатом, через него вышла на одного из руководителей Третьего рейха Вальтера Шелленберга, которому предложила себя посредницей в переговорах о мире с Черчиллем, знакомым ей по временам, когда Коко была подружкой герцога Вестминстерского. После освобождения Франции Шанель за это чуть было не посадили, однако дело быстро замяли.

Десять лет Коко провела в Швейцарии, а в феврале 1954 года снова объявилась в Париже, представив новую коллекцию. Своенравный Париж уже успел позабыть довоенного кумира, коллекцию приняли холодно и недоуменно. Тогда Шанель подготовила второй показ своих моделей - на этот раз она решила возродить собственный старый стиль. Успех превзошел все ожидания. Это случилось в 1957 году. После своих семидесяти лет Коко Шанель вновь и уже навсегда стала законодательницей мировой моды.

К старости характер у Шанель стал весьма вздорным - она могла изрезать ножницами платье от другого кутюрье на своей манекенщице. Язычок у Коко был язвительным: не стесняясь, она часто использовала крепкие словечки. Когда после войны ее обвинили в связи с немецким дипломатом, Шанель заявила: 'Если в моем возрасте появляется любовник моложе меня на 15 лет, я не спрашиваю, какой он национальности'.

Умерла Коко Шанель, собираясь лечь спать. Своей горничной она успела сказать: 'Вот так нас оставляют подыхать'.

Стиль
Ее первым открытием стал мужской английский классический стиль, переиначенный для женщин. Коко Шанель освободила прекрасную половину человечества от корсетов и пышных юбок, от рюшек и оборок, экстравагантных шляпок и сложных причесок. Короткие стрижки, брюки и пиджаки, вязаные пуловеры и клетчатые юбки, простое черное платье, ставшее символом элегантности ХХ века, дамская сумочка на тонком ремешке через плечо, женская матроска... Многое из того, что сегодня является самым обычным женским нарядом, было придумано и создано Коко Шанель.

Она никогда не рисовала свои модели на бумаге, предпочитая работать с материалом иглой, нитками и ножницами прямо на манекенщице. Теорий у Коко Шанель не было, она просто следовала своей гениальной интуиции. Примечательно, что сама она брюки носила редко, считая, что этот мужской атрибут женщинам дается плохо. Женские колени Шанель считала некрасивой частью тела, а посему ее юбки были всегда чуть ниже колен.

Особого рассказа достойны ее духи 'Шанель N 5'. Еще в 1920 году русский князь Дмитрий Романов познакомил Коко с эмигрантом из России, парфюмером Эрнстом Бо. По просьбе Шанель парфюмер собрал в пробирки 20 различных смесей цветочных ароматов, Коко выбрала пробирку с пятым номером, добавила туда запах ландыша и назвала духи 'Шанель N 5'. До этого смеси различных ароматов в женских духах считались неприличными.

'Духи для женщины, которые пахнут, как женщина', - сказала Шанель о своем творении. Когда у Мерилин Монро спросили: 'Что вы надеваете на ночь?' - голливудская звезда игриво ответила: 'Пять капель 'Шанель N 5'.

Когда Коко Шанель умерла, в ее гардеробе нашли всего три наряда, но зато каких!..

Афоризмы Коко Шанель
За исключением материальных дел, мы нуждаемся не в советах, а в одобрении.

Моду следует принимать, иначе вы будете выглядеть смешными. Однако принимать новинки следует незаметно, маленькими порциями.

Мужчинам нравятся женщины, которые одеты хорошо, но не бросаются в глаза.

Женщины, не слушающие мужчин в вопросах моды, советуясь только с подругами, часто становятся посмешищем.

Зрелые и стареющие женщины должны следовать господствующей моде. Иметь собственную моду могут себе позволить только молодые женщины.

Коко Шанель: сняла с женщин корсет, подарила черный цвет и революционные духи

Габриэль Шанель первой отразила в моде двадцатый век. Ее боготворили принцессы и гувернантки, изысканные аристократки и скромные учительницы, французские модницы и американские бизнес-леди. Мировая популярность Шанель не имела аналогов.

Сама же Габриэль, чья жизнь была овеяна многочисленными легендами, вымышленными и реальными историями, любила одиночество, свежий воздух, удобную спортивную одежду, собак и рыбалку. Городской жизни предпочитала "деревенскую свободу". Любила рано вставать и рано ложиться спать. Обожала полное безделье и суровую работу. Правда, больше почитала работу без устали, после которой и позволяла себе передышку - полное безделье. Ее образу жизни и поведению подражали все.

С мечтой научить женщину жить в гармонии с собой она ворвалась в мир и перевернула сознание о женской сути. С юных лет Коко, как звал ее весь мир, была убеждена, что на настроение влияют запахи. Не потому ли она изобрела свои знаменитые духи "Шанель # 5", которые смели все парфюмерные традиции? В духах раньше преобладал запах одного цветка - розы, фиалки, жасмина, сирени, ландыша. В "Шанели # 5" благоухал аромат весеннего цветущего сада, омытого благодатным дождем. Кстати, сама Шанель пользовалась своими духами только в городе, на природе предпочитала природные ароматы. Так советовала и окружающим.

Она сняла с женщин корсет, так как считала, что он "старит" тело и не дает развиваться мускулам. Она подарила дамам черный цвет - "в нем чувствуешь себя элегантной" и подстригла им волосы. До Шанель женщины не носили стрижек. Сама же Габриэль считала стрижки не только выражением стиля, но и прической самой здоровой, дающей волосам отдых.

Правда, острые на язык журналисты объясняли это по-другому: "Она остригла волосы всем дамам мира, потому что вынуждена была сделать это сама" и рассказывали историю о том, как в доме мадемуазель взорвалась газовая колонка и опалила ей волосы. В то время Габриэль опаздывала на премьеру в "Гранд-Опера". Она взяла ножницы и коротко подстриглась. В тот вечер, казалось, публика в театре смотрела на нее, а не на сцену. На следующий день подстриглись все модницы Парижа, украсив, как и Шанель, свои короткие стрижки цветками.

Работоспособность царицы моды была уникальна. Свою последнюю коллекцию она создала в возрасте 88 лет. Сама Шанель не сомневалась в том, что в основе ее силы лежит философия, раскрывающая отношение женщины к миру, в котором она живет. Шанель, одевшая прекрасную половину мира, говорила: "Главное в женщине - не одежда, а милые манеры, рассудительность и строгий режим дня".

Женщина должна быть женственна и спортивна и никогда "не дурманить себя пустыми разговорами". Она должна знать, зачем и куда ей надо идти, какова цель каждого жеста и взгляда. Надо сохранять собственную неповторимость: в движениях, мыслях, поступках. Уметь противостоять даже требованиям моды.

Шанель объясняла свое активное долголетие тем, что никогда не вела ночной богемной жизни. "После бессонной ночи не создашь ничего путного днем". Она говорила: "Нельзя позволять себе обжорство и алкоголь, которые разрушают тело, и все же надеяться иметь тело, которое функционирует с минимальным разрушением. Свеча, которая горит с двух концов, может, конечно, распространять ярчайший свет, но темнота, которая последует потом, будет долгой".

Рацион Шанель был простой и состоял из овощей, фруктов и рыбы по преимуществу, спала она не менее семи-восьми часов при открытых окнах. Вставала рано, не позднее семи часов. "Главное для женщины - постоянно работать. Только работа дает бодрость духа, а дух, в свою очередь, заботится об участи тела".

"Отправляться спать после полуночи - значит не щадить самих себя. Лично меня после двенадцати часов вообще ничто не интересует", - повторяла великая Коко.


Коко Шанель и ее легенды
Коко Шанель, крохотной женщине, которая стала эпохой в мире моды, завтра исполняется… 127 лет.
То, что она сделала, по-прежнему восторгает женщин и мужчин всего мира.

Шанель воплотила мечту в жизнь и теперь к этой мечте с радостью прикасаемся все мы. Но кто-то все же чуточку ближе…

Маленькое черное платье и прямоугольная сумочка на цепочке, костюм (юбка и жакет) и Chanel №5… Габриэль Шанель создавала не вещи, а легенды. Да и сама стала легендой.

Она говорила:

- Духи — это невидимый, но зато незабываемый, непревзойденный модный аксессуар. Он оповещает о появлении женщины и продолжает напоминать о ней, когда она ушла.

- Мода проходит, стиль остается.

- "Когда надо пользоваться духами?" — спрашивает молодая женщина. "Когда хочется, чтобы тебя целовали", — отвечаю я.

- Ничто так не старит женщину, как слишком богатый костюм.

- Есть две вещи, которые мужчине постичь не дано: это тайна творения и шляпка его жены

- Люди не умеют жить. Их этому не учат.

- Если вас поразила красотой какая-нибудь женщина, но вы не можете вспомнить, во что она была одета, значит она была одета идеально.

Легенды Chanel №5

Эти знаменитые духи "носила" Жаклин Кеннеди на светских раутах. Ее соперница Мэрилин Монро "надевала" их и только их на ночь. Этот аромат, пожалуй, самый знаменитый в мире, рекламировали не менее знаменитые женщины. Первой была сама сама Габриэль Шанель и это более чем справедливо.

В 70-х первым официальным лицом Chanel №5 стала Катрин Денев: французская изысканность Денев и Chanel сошлись воедино. Интересно, что актриса так увлеклась работой с ароматом, что после окончания рекламной кампании, выпустила собственные духи.

Следующей стала Кароль Буке. Кстати, у нее с Коко Шанель дни рождения идут подряд: у Кароль 18, у Габриэль – 19 августа. Супруга Жерара Депардье создала несколько иной образ Chanel №5, менее классический, более смелый. Роман Кароль и Chanel длился огромный срок – 15 лет.

В 1996 году лицом аромата, стала не француженка, а канадка - Эстелла Уоррен. В ролике, снятом Люком Бессонном, она играла… Красную Шапочку, которая хочет проникнуть в Парижский музей, где хранится заветный флакон.

2005 год – и лицо Chanel №5 – Николь Кидман. "Она установила уникальный стандарт элегантности, являющийся воплощением духа и современного образа". Четыре года сотрудничества, огромные гонорары и действительно очень красивые ролики.

И, наконец, снова француженка – Одри Тоту. Она стала лицом аромата после того, как сыграла саму Габриэль в фильме Коко до Шанель. В фильме, в котором время возвращается назад, и мы видим обычную девушку, которой удалось перевернуть мир моды и стать великой Шанель.

 Отправлено: 30.10.11 18:29. Заголовок: nikita Спасибо за и..

nikita Спасибо за интересные статьи! [взломанный сайт]

 Отправлено: 31.10.11 22:31. Заголовок: Olesya пишет: nikit..

Olesya пишет:

цитата:

nikita Спасибо за интересные статьи!

всегда пожалуста мне у вас на форуми нравится [взломанный сайт]

 Отправлено: 19.11.11 18:43. Заголовок: Биография Уолта Дисн..

Биография Уолта Диснея

Уолт Элиас Дисней
Уолт Дисней родился в Чикаго, в штате Иллинойс, 5 декабря 1901 года. Еще в школе он начал заниматься живописью и фотографией. Осенью 1918 года Уолт присоединился к Красному Кресту и был направлен за границу, где провёл год, работая водителем скорой помощи. Камуфляжный окрас он не признавал, и весь кузов его машины покрывали рисунки и карикатуры.

После войны Уолт вернулся в Канзас-Сити, где начал работать художником по рекламе. Именно здесь в 1920 году он создал свой первый оригинальный мультипликационный фильм, а позднее довел до совершенства технику сочетания игрового кино и анимации.

«Я очень надеюсь, что мы никогда не забудем одного — что все началось с мышонка.»
Уолтер Элиас Дисней
В августе 1923 года Уолт Дисней покинул Канзас-Сити и уехал в Голливуд, не имея ничего, кроме нескольких рисунков, одного готового анимационно-игрового фильма и 40 долларов в кармане. У его брата, Роя Оливера Диснея, ранее переехавшего в Калифорнию, было 250 долларов и море энтузиазма. Они объединили свои ресурсы, взяли в долг еще 500 долларов и соорудили подиум для кинокамеры в гараже своего дядюшки. Вскоре братья получили из Нью-Йорка первый заказ на серию короткометражных мультфильмов и начали свою продюсерскую деятельность.

В 1928 году Уолт Дисней создал первый полностью озвученный мультфильм — «Пароходик Вилли» с Микки Маусом в главной роли.
Уолт неустанно стремился к совершенствованию искусства анимации. В 1928 он создал первый полностью озвученный мультфильм – «Пароходик Вили» с микки Маусом в главной роли. Во время производства фильма «Забавные симфонии» в анимацию была введена техника Текниколор. В 1932 году фильм под названием «Цветы и деревья» принёс Уолту первую из 32 персональных наград Киноакадемии. В 1937 году он выпустил фильм «Старая мельница», в котором впервые применил для короткометражного фильма технику съемки несколькими камерами. Всего при жизни Уолта студия выпустила 81 фильм.

Пытливый ум Уолта и его уверенность в пользе обучения в развлекательной форме привели к созданию серии картин о жизни дикой природы «Приключения из реальной жизни», отмеченной многочисленными наградами. Дисней также был пионером в области производства телевизионных программ. В 1961 году он одним из первых представил полностью цветную передачу «Великолепный мир цвета».


40-е годы
Позднее неутомимый творец занялся реализацией плана нового мира Disney – мира развлечений с тематическими парками, центрами отдыха и отелями. Так появились курорты Disneyland и Walt Disney World.

Уолт Дисней скончался 15 декабря 1966 года. С его смертью закончилась целая эпоха в культурной жизни человечества. Уолт Дисней – легенда, народный герой 20-го века. Всемирную известность ему принесли качества, которые неразрывно связывались с его именем: удивительное воображение, оптимизм и достижение успеха собственными силами.









Сказка на вашем экране
Город, в котором он родился, был большой, шумный и совершенно не удовлетворял родителей Уолта. Чикаго. Они решили поселить детей на ферме возле маленького городка Марселин, штат Mиссури. Уолту было тогда только 4 года. У семьи не было денег на карандаши и бумагу, а Уолт хотел рисовать. Он нашел смолу, палку и нарисовал дом ... на стене собственного дома. Это, возможно, был самый первый рисунок Уолта. Года через три он начнет продавать свои рисунки соседям. А еще через 40 лет они будут продавать эти рисунки на аукционах.

Проживать на ферме было так же дорого и невыгодно, как в большом городе, и семейство снова решило попытать счастья, поменяв место жительства. На сей раз был выбран город Канзас-Сити. Там 8-летний Уолт начал зарабатывать деньги, в течение шести лет вставая в 3:30 каждое утро и разнося газеты.

Уолт хотел делать рисунки подобно тем, которые видел в комиксах, но

у него не было ни капли свободного времени. Его деспот-отец, думая, что все художники - бездельники, жестоко наказывал Уолта. Тем не менее Уолту удалось поступить в чикагский Институт Искусств, где он обнаружил, что его истинные таланты находятся скорее в области осмысления и координирования проектов, чем в составлении документов.

Элиос Дисней - отец Уолта, плотник, фермер и строительный подрядчик, нещадно лупил своих детей и Уолт пришел к выводу, что он не настоящий его отец. Отцу также удалось вселить в мальчике ненависть к евреям, и Уолт никогда не сдерживался в своих суждениях о них. Но это уже немного другая история.

Критики и психологи считают, что эти испытания и, особенно, беспокойство относительно его происхождения, стали своего рода шаблоном в более поздних фильмах Диснея. Кстати, замечено, что в героях Диснея ребенок узнает сам себя. По тому факту, какой диснеевский герой наиболее симпатичен ребенку, можно понять, какие у него проблемы. В 1918 году Уолт Дисней попытался поступить на военную службу, но в шестнадцать лет на службу не брали. Тогда Уолт присоединился к Красному Кресту и был послан за границу, где провел год за рулем санитарной машины.

По возвращении в Канзас-Сити в 1919 году, Уолт Дисней начал работу в качестве художественного директора коммерческой студии. Там он и встретил Уба Айверкса, молодого художника, ставшего его деловым партнером. Они открыли совместную студию и приобрели подержанную камеру, с которой и делали двухминутные рекламные фильмы. Фильмы были показаны только в местных кинотеатрах и, в конечном счете, партнеры переместили свою студию в Лос-Анджелес, чтобы быть хоть чуточку ближе к кинопромышленности Голливуда. Словно наркотиком становится для него мультипликация.

В течение столетий художники пробовали изображать движущиеся фигуры. В результате развития техники это стало возможным. Мультипликация объединила музыку, голоса и краски. Дисней как никто понимал это.

Уехав из города с 40$ в кармане, он встретил своего брата Роя, у которого и денег было немного побольше и в желании что-либо делать ему нельзя было отказать. Объединив денежные ресурсы и, заняв еще 500$, братья открыли магазин в гараже собственного дяди. А в январе 1926 года в Калифорнии открылась первая студия Диснея. Два брата - Уолт и Рой приблизились к своей мечте, начав создавать анимационные фильмы. Создание даже небольшого эпизода требовало таланта директора, актера, звукооператора, сценариста и музыкального редактора. Уолт и Рой оказались способными на все это.

Как они могли конкурировать с другими аниматорами, когда даже для большой студии двухминутный фильм требует многомесячной работы, а для полнометражного нужно несколько лет?

Сценарий мультфильма походит на огромный комикс. Указания помещены в одном ряду с пятидюймовыми карандашными эскизами, которые перемежаются диалогами, напечатанным возле каждого рисунка. Как только эти storyboards закончены, директор устраивает конференцию с аниматорами, специалистами по композиции, художниками фона и музыкантами.

Единственный человек, который может участвовать в производстве от начала и до конца - это директор. Фильм состоит из многих элементов: диалогов, цвета, звука и музыки. Самая большая работа директора состоит в выборе времени и координировании всех этих элементов, которые и составят готовый фильм. В студии Диснея было только двое рабочих - Уолт и Рой. И они справились.

В 1927 году братьев обманули, отсудив у них право на экранизацию "Освальда - удачливого кролика". Это подтолкнуло Уолта начать работу над новым персонажем - веселой, энергичной мышью по имени Мортимер. Первый фильм про Мортимера - "Стремительный самолет" был выпущен в 1928. Показ не был столь успешным, так как в это же время появились звуковые фильмы, составившие конкуренцию продукции студии.

Вскоре студия Уолта Диснея получила контракт от правительства США на производство учебных фильмы. Проекты были настолько прибыльными и интересными, что студия полностью отказалась от продолжения работы над фильмами про Мортимера.

В 1928 году братья вернулись к идее о "энергичной мыши". Напряженная работа привела к появлению короткометражного фильма "Пароход Вилли". Капитаном судна была маленькая мышь. Так родился Микки Маус, которого, по началу, озвучивал сам Дисней.

Первый большой успех пришел в 1929 году с фильмом "Глупые симфонии" и первой в мире полнометражной мультипликацией "Белоснежка и семь гномов" (1937 год). Между этими фильмами на свет появились Плуто и Гуффи - другие популярные диснеевские герои, а также первый цветной фильм с Микки Маусом - "Концерт".

Для производства цветных фильмов понадобилось осваивать новую профессию. До этого момента специалисты-композиторы, разработав общие идеи, передавали их аниматорам. Теперь же потребовались специалисты фона и консультанты в подборе цвета.

В 1940 году вышел "Пиноккио" и "Фантазия" - первая успешная попытка понять музыку через визуальные образы. В 1941 году появился "Дамбо". Во время войны студия Диснея выпускала фильмы для американских солдат. В то время это было просто необходимым для поднятия воинской доблести и морали.

Уолт Дисней становится осведомителем ФБР. Может быть ему хотелось узнать, действительно ли он был сыном своего отца, а может быть он поднимал таким образом мораль гражданскую. Сохранилось приблизительно 500 страниц из его посланий к Бюро. Впрочем, обо всем этом можно прочесть в книге: "Walt Disney: An American Original", а не в этой статье.

В 1948 году Уолт Дисней начинает свою знаменитую серию цветных видовых фильмов: "Живая пустыня", "Исчезающая прерия", "Африканский лев" и "Белая дикая местность".

Параллельно с этим он работает над детскими фильмами: "Остров Сокровищ", "Робин Гуд" и "Мэри Поппинс". Позже, в 1955 году в Калифорнии он открыл первый Диснейленд - парк аттракционов. Потом Диснейленды откроются во Флориде, Токио и Париже:

Но это было только начало. В 1965 году Уолт Дисней обратил внимание на различные проблемы, связанные с улучшением качества городской жизни в Америке. Он лично составил проект "экспериментального сообщества завтрашнего дня", спланированный как возможное развитие творческого потенциала американской промышленности.

Дисней скупил 43 квадратных мили неиспользованной земли, что вдвое превышает размер Манхэттэна. Здесь он планировал разместить новый "Мир Диснея": развлечения, курорты, гостиницы, мотели, индустриальные комплексы, аэропорт будущего и его "экспериментальное сообщество завтрашнего дня". После более семи лет планирования и подготовки, включая 52 месяца фактического строительства, "Мир Диснея" открылся, как и было намечено, 1 октября 1971 года.

Калифорнийский Институт Искусств был основан Диснеем в 1961 году.

Новый университетский городок раскинулся на площади в 60 акров в городе Валенсия, к северо-востоку от Лос-Анджелеса. Уолт Дисней задумывал новую школу как "сообщество искусств" - новый подход к профессиональному обучению. В дополнение к музыке и живописи в институте изучается кинематография, театр, скульптура и мода.

Однако Уолт Дисней прежде всего мультипликатор. Было бы нечестно в статье о нем не рассказать более подробно о некоторых его фильмах.

Золушка
Золушка была вторым фильмом Диснея, сделанным на основе классической сказки. Первым был "Белоснежка и семь гномов", созданный тринадцатью годами ранее.

Большая часть персонажей была озвучена ветераном студии Джимми Макдоналдом. Голоса ему удавались. Он экспериментировал с записью на различных скоростях и на различных устройствах. В силу своего таланта Джимми был "официальным" голосом Микки Мауса с 1947 по 1983 год.

Кстати, многие ученые полагают, что хрустальная туфелька золушки - это результат неправильного перевода. Дело в том, что vair - старинное французское слово обозначает "горностай", в то время как verre означает стекло. Произношение то же самое, однако, значения различны. Только версии "Золушки", заимствованные у Шарля Перро повествуют о стеклянной туфельке. У Диснея туфелька хрустальная.

Уолт Дисней изобрел абсолютно новый метод, позволивший сократить затраты в создании фильма. Живые актеры снимались на кинопленку, а материал изучался для последующей работы над "Золушкой".

Песня, под которую Золушка и Принц влюбляются друг в друга, называется "Все-таки это любовь". И это одна из шести песен, специально написанных для "Золушки" Мэком Дэвидом, Альями Хофманом и Джерри Ливингстоном. Компания Уолта Диснея в декабре 1949 года открыла дочернюю компанию The Walt Disney Music Company, занимающуюся записью песен к фильмам. Первым продуктом этой компании стала запись шести песен из "Золушки".

Алиса в стране чудес
Иллюстрации Сэра Джона Тенниела к книгам Льюиса Кэррола были к тому времени настолько известны, что Уолт Дисней приобрел право на их использование, как основу визуального стиля для "Алисы в стране чудес".

Визуальное развитие характеров требовало массы предварительных набросков. Месяцы грубых эскизов предшествовали окончательному созданию образов.

В своей заключительной форме образ Алисы не был одобрен ни пуристами - поборниками чистоты стиля, ни широкой массой зрителей. Из-за чересчур смелого графического стиля - результат изобретательности Мэри Блэира и мультипликатора Марка Дэвиса -фильму пришлось долго ждать своего часа.

Кэтрин Бимонт озвучила не только Алису в мультипликационном фильме, но и спустя 30 лет "озвучила" аттракцион "Алиса" в Диснейленде.

Спящая красавица
Более чем любой другой фильм Диснея, "Спящая красавица" показала аудитории, какой реалистичной может быть анимация.

Сам Уолт высказался по этому поводу следующим образом: "У меня было только одно общее предложение для всех аниматоров: делайте героев настолько реальными, насколько это возможно. Мы работали с живыми моделями более тщательно, чем когда-либо прежде. Чтобы дать художникам вдохновение, было необходимо сформировать анатомию движения героев фильма." Дисней назвал этот усовершенствованный процесс "искусством живописи в жизнеподобном движении".

Мэри Коста (принцесса Аврора) начала свою музыкальную карьеру в возрасте девяти лет. Вскоре ее мечтой стало увидеть Уолта Диснея и поработать с ним. На следующий день после прослушивания в студии она была уведомлена, что получила работу. Но каждый раз, когда она, записываясь, спрашивала об указаниях Уолта, ей ничего не передавали. Он не встречался с ней до окончания картины, так как боялся повлиять на ее индивидуальность. Только три года спустя они впервые позавтракали вместе.

Из всех персонажей "Спящей красавицы" именно отрицательные герои

оставляют самое большое впечатление. Они самые интригующие среди всех злодеев Диснея, в значительной степени из-за работы аниматора Марка Дэвиса, который вдохнул жизнь и в других известных мультипликационных злодеев. Именно Марк решил, что для злых волшебников также необходимы лирические отступления и драматические монологи.

Питер Пан
"Питер Пан" Диснея основан на пьесе, написанной в 1904 году сэром Джеймсом Барри, и последующих книжных версиях этой известной истории.

Дисней использовал именно первоначальный вариант и примечания к пьесе самого автора. Эти примечания были не только руководством для актеров и не только заметками с репетиций пьесы, но и собственными концепциями сэра Джеймса Барри, рассказывающими о характерах героев и их реакции на волшебные случаи, разворачивающиеся перед ними.

Когда Уолт и его брат Рой были детьми, они разбили свои копилки, чтобы собрать вместе достаточно денег и посмотреть эту пьесу в театре. Уолт настолько полюбил историю мальчика, который не захотел расти, что чуть позже играл Питера Пана в школьной постановке.

До фильма Диснея, Питера всегда играла молодая женщина, но Дисней выбрал изображение двенадцатилетнего мальчика. Он объяснил это следующим образом: "Ему двенадцать и он не собирается вырастать просто потому, что это удобный возраст."

Кроме этого доподлинно известно, что образ Тинкер Бэлл не основан на образе Мэрлин Монро. Тинкер Бэлл заимствовала свои формы у "Pin-up girls", типа Бетти Грабл и других девушек времен Второй Мировой войны.

Мэрлин Монро была еще совершенно неизвестна, в то время как образ Тинкер Бэлл был уже разработан. Женщина по имени Маргарет Керри являлась прямым ее прототипом.

Дисней купил права на экранизацию в 1939 году, а работа над "Питером Паном" велась в течение долгих 14 лет.

Тинкер Бэлл "продолжила" свою карьеру в заставках, предваряющих

показ Диснеевских программ по телевизору, а свободное от этой "работы" время командует фейерверками в Диснейленде. В пьесе сэра Джеймса Барри " Питер Пан, или мальчик, который никогда не вырастет", Тинкер Бэлл была только маленьким лучиком света.

Белоснежка и семь гномов
В этом фильме использовалась приглушенная цветовая палитра, не только потому, что так хотел сам Дисней, но и потому, что это наиболее подходило к новой технологии Technicolor, способной к абсолютной передаче пастельных тонов. Фильм стоил 2 миллиона.

Надо сказать, что во времена экономического упадка в Америке это выглядело как настоящий подвиг.

Именно постановку сказки 1912 года, с Маргуэт Кларк в роли Белоснежки, а точнее немой фильм, снятый по этой постановке в 1915 году, и увидел Уолт Дисней во время специального показа в городе Канзас-Сити.

Согласно биографу Диснея Бобу Томасу, это стало его самым ярким впечатлением о посещении кино.

"Белоснежка и семь гномов" стал первым полнометражным анимационным фильмом. Именно с этого фильма возникло понятие саундтрэк. Он стал также первым фильмом в истории, который был полностью восстановлен с помощью цифровой технологии. Для финального восстановления в 1994 году были собраны пятеро оставшихся в живых художников, которые работали над оригинальной версией: Франк Томас, Олле Джонстон, Уорд Кимпбэл, Марк Дэвис и Джо Грант. Наряду с ними был приглашен вице-президент компании "Уолт Дисней" господин Рой Дисней. Увиденное заслужило их единодушное одобрение.

Белоснежка стала первым мультипликационным героем, столь похожим на человека. Исчерпывающее изучение анатомии было обязательным для аниматоров Диснея, а модель Мэрдж Бэлтчер помогла им запечатлеть человеческие движения.

В конце производства фильма Уолт Дисней заметил недостаток в фигуре Принца в момент, когда он наклоняется к Белоснежке для поцелуя. Журнал Liberty сообщил, что Уолт тщательно проконтролировал новый вариант изображения Принца и заставил все кинотеатры, которые показывали "Белоснежку", заменить копию. Даже после премьеры он продолжал работать над фильмом и улучшать его.

Впрочем, из-за сжатых сроков были допущены некоторые недочеты. Во время финального поцелуя присутствуют все гномы, кроме "Сонного". Аниматор Фрэнк Томас рассказывает, что ошибка была замечена перед самой премьерой, однако композиция сцены не давала возможности внести быстрые изменения.

Песня Юга
"Песня Юга" основана на историях из двух книг: "Дядюшка Римус" (1880 года) и "Сказки дядюшки Римуса" (1883 года) автора Джоула Чандлера Харриса.

До "Песни Юга" Дисней уже работал с фильмами, сочетающими живых актеров и мультипликационных героев. Однако, "Песня Юга" стал первым диснеевским фильмом, в котором это было настолько качественно осуществлено. Годом ранее Дисней сделал "Три кабальеро". Но тот фильм использовал мультипликацию, как первичный элемент, а живое действие, как вторичный.

В "Песне Юга" дядюшка Римус рассказывает Джонни три басни, каждая из которых обращается к некоторой проблеме в жизни мальчика. Все басни показаны при помощи мультипликации. Подобное не было повторено до 1964 года, вплоть до классического фильма "Мэри Поппинс" того же Диснея.

101 Далматинец
Фильм был поставлен по книге "101 Далматинец" английского автора Доди Смита. В течение трех лет 300 художников, используя 1,218,750 карандаш, работали над фильмом. Более чем 1,000 различных оттенков цвета (100 из них официально зарегистрированы как новые) были использованы для достижения тонкости и разнообразия, необходимого для реальной передачи образов собак и людей.

На собаках в фильме ровно 6,469,952 пятен. В дополнение к пятнам,

другие картинки потребовали 800 галлонов краски, весящей почти пять тонн. Этой краски достаточно, чтобы раскрасить 135 домов. Голоса 25 людей использовались для озвучания. Период работы над звуковой дорожкой к фильму занял несколько лет.

Бэмби
Выпущенный в 1942 году, "Бэмби" ошеломил зрителей красивым натуральным изображением леса и его жителей. Снова Марк Дэвис.

 Отправлено: 21.11.11 16:04. Заголовок: nikita СПАСИБО! Я об..

nikita СПАСИБО! Я обожаю Уолта Диснея и его героев! [взломанный сайт] [взломанный сайт] [взломанный сайт]